Historia Podcasts

The Artist Project: Pre -Columbian Gold - Teresita Fernández

The Artist Project: Pre -Columbian Gold - Teresita Fernández



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

>

Teresita Fernández på precolumbianskt guld

"Vi vet att detta representerar storhet, men ändå har vi bara en handfull exempel att peka på."

The Artist Project är en onlineserie från 2015 där vi ger artister en möjlighet att svara på vår encyklopediska samling.


Unearthing Place: En intervju med Teresita Fernández

Fata Morgana, 2015. Installationsvy. Madision Square Park, New York
2015-2016. © Teresita Fernández. Foto: Elisabeth Bernstein. Med tillstånd av konstnären Lehmann Maupin, New York och Hong Kong, och Anthony Meier Fine Arts, San Francisco.

TGenom sina skulpturer, teckningar och installationer utökar konstnären Teresita Fernández konsekvent definitionen av landskap och flyttar föreställningar om plats till ett konceptuellt område som både förför och utmanar betraktaren. Frågan Var är jag? sväller in Vad hände här?, Vem har varit här före mig?, vid sidan av det mer metafysiska Hur definierar min närvaro denna plats och min upplevelse av den?

Lindsey Davis: Du har sagt att ordet "landskap" ofta används lata. Jag ser ditt arbete som att skapa skulpturella landskap, ett med tonvikt på LAND och en ”form som kräver att kroppar rör sig i och runt det. Hur ser du på ditt arbete med traditionella föreställningar om landskap, och hur ser du att det fungerar mot samma föreställningar?

Teresita Fernández: Jag hämtar många etablerade idéer om landskap, men jag ifrågasätter dem och försöker tillhandahålla en helt annan serie linser för att förstärka vad ordet "landskap" betyder. Och så, när jag säger att det används på ett lat sätt betyder det att vi, särskilt för västvärlden, använder det ordet för att i stort sett betyda en traditionell bildrepresentation som kommer från europeisk landskapsmålning och/eller amerikansk landskapsmålning. Och så är det en mycket begränsad uppfattning om vad idén om landskap är, särskilt om man tittar på icke-västerländska traditioner-och inte bara traditioner, utan konceptualiseringar av vad plats och landskap är. Det är ett helt annat språk och en helt annan uppsättning referenspunkter för att förstå denna idé om plats och den egna placeringen som en förlängning.

Blind Land (grön spegel), 2013. Två lager polerat precisionsskuret rostfritt stål, 46,5 x 70,5 tum. Med artighet artisten och Lehmann Maupin, New York och Hong Kong.

LD: Antropomorfismen i dina skulpturer verkar ge ditt verk en fantastisk känsla - som om de kommer från en annan planet som liknar vår, eller att vår världs element ses genom ett prisma av diskret elegans. Finns det någon speciell plats som du hoppas att ditt arbete transporterar tittare till, eller en speciell känsla som du hoppas att det ger dem?

TF: Mer än en speciell känsla är reaktionen som jag värderar högst hos tittaren en av intimitet. Om du tänker på platser som du har en koppling till, har du en mycket subjektiv och mycket personlig intimitet med dessa platser.

Det jag frågar är “var är jag? Hur existerar denna plats i vår kollektiva fantasi? ” På detta sätt kommer landskapet att innebära en helt konstruerad föreställning som är väldigt långt ifrån vilken fysisk vy som helst framför dig.

Den känslan av intimitet är, tror jag, det som är transporterande. Det är en idé kopplad till fenomenologi som handlar om, i brist på ett bättre ord, en slags betydande dagdrömmar. Det handlar om att projicera dig själv på något och flytta genom ett utrymme utan att nödvändigtvis fysiskt röra dig genom det. Det är ett annat sätt att bo på en plats, eller en annan aspekt, låt oss säga, att bebo en plats. Och antropomorfismen har verkligen att göra med ens kropp i förhållande till plats. Jag har gjort verk som bokstavligen refererar till kroppen, till exempel gjorde jag en serie verk som hade att göra med ett mycket specifikt landsbygdlandskap på Kuba som heter Viñales och jag tillbringade mycket tid i själva Viñales -grottorna. Jag gjorde en serie ritningar som var dessa vyer av landskapet inramade inifrån grottorna. Konstverket med titeln Viñales (livmoderhalsen) antyder att öppningen av grottan är en referens till den feminina kroppen. En annan skulpturell bit i den serien kallades Viñales (liggande naken). Det finns ingen figur, mitt arbete är aldrig bildligt i sig, men figuren är alltid underförstådd och det är ofta du som betraktar som fungerar som en figur i landskapet. Vi har denna konventionella uppfattning om "figuren i landskapet", men i mitt arbete försöker jag ge en annan känsla av vad det betyder, en känsla av att du är i landskapet men landskapet är också i dig. På detta sätt blir landskapet något som inte är fixat bildandet av vad du tycker om en plats blir grundligt subjektivt och utvecklas ständigt.

Blind Land (grön spegel) (detalj), 2013. Två lager polerat precisionsskuret rostfritt stål, 46,5 x 70,5 tum. Med artighet artisten och Lehmann Maupin, New York och Hong Kong.

LD: Var skär idéerna om att transportera tittare någon annanstans och förändra sin befintliga omgivning i ditt arbete?

TF: Arbetet fungerar som en prompt. Ungefär som när du är i det verkliga landskapet, är hälften av det du ser faktiskt vad du tar med det. Arbetet ber dig att fylla i ämnena. Återigen har jag den ömsesidigheten med betraktaren, men verket kan inte bara skapa den påverkan. Det finns en slags vilja att delta, att projicera på den saken, att riva upp något erfarenhetsmässigt som är väsentligt.

Jag är ofta intresserad av gruvmaterial - material från särskilda platser. Till exempel är grafiten jag har använt från Sri Lanka. Jag har använt guld, pyrit och järnmalm. Dessa material är bokstavligen delar av platser. De extraheras fysiskt från särskilda platser - i den meningen en del av ett verkligt landskap. När jag skapar en ny bild med hjälp av dessa råvaror blir det mer än en sak på en gång. Det blir samtidigt det landskap det kom från som ett material, men också den sekundära bilden som skapas, som kan vara helt annorlunda och orelaterad. Så jag leker med denna uppfattning att vi alltid är på många ställen samtidigt och att varje plats som vi tänker på verkligen är en slags skiktning, stapling av många platser, oavsett om de är fysiska eller inbillade, eller ihågkommen.

Viñales (liggande naken), 2015. Wakkusu ® Betong, brons och malakit, 48 x 64 x 101 tum. Med artighet artisten och Lehmann Maupin, New York och Hong Kong.

LD: Många av dina skulpturer vänder idéer om sina ämnen -Vattenfall är nästan industrialiserad i sin enstaka produktion, medan Dyn är en trappa man klättrar i inte ovanpå. Det verkar som om de naturliga elementen ditt arbete utforskar kräver en mänsklig närvaro för att vara fullt förstådd. På vilka sätt ser du människor som en ständigt närvarande del av landskapet självt?

TF: Om du tittar på gamla kinesiska landskapsideer är de inte separerade från betraktaren. Det är inte som att du är i landskapet eller att du är en privilegierad enhet som ser vad som finns runt dig. Du är mer en integrerad del av landskapet. Jag är verkligen intresserad av vilken typ av ömsesidighet du ser samtidigt på landskapet, men landskapet ser också på dig. Faktum är att du också skapar det landskapet, du är en aktiv del av vad det är. Jag använder dessa idéer i mitt arbete när jag gör en platsspecifik installation, eller när jag gör ett arbete som refererar till en specifik plats. Jag är inte bara intresserad av platsens fysiska koordinater, utan av denna föreställning att vi alltid är väldigt aktiva och letar efter oss själva, omplacerar oss själva på plats. Återigen, idén om landskap är inte denna fasta idé, det är mer en känsla av att vi ständigt förhandlar och omdefinierar genom vår närvaro i den. Det blir ett sätt att se på plats som både ett verb och ett substantiv samtidigt. Så du har en fysisk plats men du placerar dig själv aktivt på plats.

Viñales (liggande naken) (detalj), 2015. Wakkusu ® Betong, brons och malakit, 48 x 64 x 101 tum. Med artighet artisten och Lehmann Maupin, New York och Hong Kong.

LD: Kan du prata lite om din process för att skapa platsspecifika installationer? Vilka aspekter av en plats är du mest anpassad till?

TF: När jag gör något platsspecifikt frågar jag mig själv: ”Var är jag?” Det är denna mycket enkla fråga men det är också en mycket laddad fråga beroende på hur du ställer den. Eftersom historier är mycket motsägelsefulla och skeva ställer jag mig ofta den frågan om plats: Var är jag historiskt, fysiskt, socialt, geografiskt, rasmässigt? Var är dessa koordinater? Vad finns runt omkring mig? Vad händer om jag gräver ett hål tre hundra fot ner, vad skulle jag hitta? Vad är ovanför mig? Denna föreställning om att landskapet är bakom ditt huvud också och under dina fötter och ovanför ditt huvud - snarare än något vi bara upplever frontalt - innebär att du också rör dig genom platser när de i sin tur rör sig genom dig.

Jag ser på plats inte bara som en fysisk plats, utan som en inbillad plats - jag tänker verkligen på platser och landskap som människors historia, snarare än på dessa statiska platser. Ett landskap från ett sekel till nästa kan se helt annorlunda ut, säkert om det är nära stadsmiljöer. Och för det mesta kan många aspekter av historien om en fysisk webbplats förbli helt osynliga för dagens tittare.

Vattenfall, 2000. Aluminium, plast, 144,09 x 144,09 x 335,83 tum. Med artighet artisten, In Arco, Torino och Lehmann Maupin, New York och Hong Kong.

LD: Många av dina verk vägrar definitionerna av en start- och slutpunkt, men Fata Morgana gav tittarna ett tydligt inträde, en plats där de blev en del av verket. I dina offentliga installationer, när ser du människor övergå från förbipasserande till tittare till en del av själva konstverket?

Jag tycker att alla dessa tre är utbytbara. Med Fata Morgana (2015) i Madison Square Park gick över femtiotusen människor om dagen genom parken och under delen. Oavsett om de valde att eller inte, blev de projicerade på biten och de blev också projicerade på ett delat utrymme med andra pendlare och förbipasserande. När det gäller just det projektet hade det en demokratiserande effekt på hur jag använde det offentliga riket och det offentliga rummet, och det innebar att som förbipasserande var du betraktaren och du var också konstverket. Konstverket var inte metallen eller stålet eller foten, utan snarare den dynamiska ytan som skapades av människor som interagerar med den och det skiftande ljuset. Så från det ena ögonblicket till det andra kan stycket se helt annorlunda ut. Projektet var nästan som en barometer för rymden och skiftande atmosfäriska förhållanden och ljus och alla runt omkring. Det var som en gigantisk spegel för själva platsen och för stadsaktiviteten i New York City.

Dyn, 2002. Målad aluminium, glaspärlor, 336 x 60 x 96 tum. Med artighet artisten och Lehmann Maupin, New York och Hong Kong.

LD: Ditt arbete väver konsekvent kulturer och platser tillsammans men verkar på något sätt representera dem alla. Vilka platser har du besökt som särskilt slog dig, som du visste att du måste inkludera en del av i ditt arbete?

TF: Jag har rest mycket sedan tidigt i min karriär. Jag tillbringade lång tid bara med att bo på olika platser, så Japan är naturligtvis en mycket viktig plats för mig, och mycket av min bildning om landskapet, men också om intimitet, tror jag kom från min tid i Japan. Det finns några specifika landskap som är viktiga för mig eftersom jag har spenderat tid där. Bali är en viktig plats för mig Kuba är en viktig plats eftersom det är där min familj kommer ifrån. Det är ett historiskt mycket rikt landskap fullt av komplexa mänskliga berättelser.

Konstverket är inte tänkt att vara en illustration av dessa platser. Jag har faktiskt en mycket universell känsla för platser. En av de mest intressanta sakerna med att vara konstnär är att mitt arbete bygger på detta mycket märkliga sätt att länka och knyta kontakter mellan saker som normalt inte skulle ha något att göra med varandra. Det finns en slags universalitet i verket, så att jag i samma sak kan referera till en mycket europeisk bild eller idé, lagrad med något som kom från en mycket japansk erfarenhet, med ett historiskt stycke amerikansk litteratur som jag läste i något annat . Och det finns ingen hierarki för dessa referenser eftersom jag inte illustrerar något av dessa saker, jag drar faktiskt förbindelser mellan dem på ett sätt som är okonventionellt och genom en mycket personlig lins.

Night Writing (Hero and Leander), 2011. Färgad och formad pappersmassa med bläckstråle monterad med spegel, 49,21 x 66,14 tum. Tack artisten Lehmann Maupin, New York och STPI Singapore.

LD: Så skulle du säga att det inte är så mycket en enda upplevelse du har på en plats som driver ditt arbete?

TF: Ibland kommer det att vara ett mycket konstigt faktum om en plats, till exempel Borrowdale, England, till exempel. Min skulptur Drawn Waters (Borrowdale) (2009) är en referens till Borrowdale, England, som är platsen där grafit upptäcktes på 1500 -talet. Det enda faktum, tanken att pennor, och därför ritningar, kom bokstavligen från detta landskap som bara var fast grafit under jorden. Tanken att pennan som du tecknar med kan komma från ett fysiskt landskap, där du kunde stå på det landskapet och allt under dina fötter skulle vara fast grafit, blev ett annat sätt för mig att tänka på att rita.

Ibland blir det bara en mycket udda detalj som lockar mig till ett visst landskap. Det som blir viktigt är inte de stora uppenbara egenskaperna, utan snarare den udda detaljen som rör något annat, åtminstone i mitt sinne. I efterhand, efter att jag gjort arbetet och jag dragit dessa kopplingar, ger jag dem en form och känslighet. Men i förväg är det faktiskt väldigt mystiskt och komplext att dra dessa kopplingar mellan saker och platser - det är den uppfinningsrika, konceptuella och utmanande delen av min process.


Teresita Fernández ’s kraftfulla konst lägger fram pågående historier om kolonialt våld i Karibien

Vissa artister tränar sitt öga på de små sakerna i livet. Teresita Fern & aacutendez är inte en av dem. Hennes konst, sade hon, drivs av en önskan att veta mer om det mänskliga tillståndet och hur det förflutna fortsätter att påverka nuet. Jag är nyfiken alltid bara för mig själv: Var är jag? Vad är det här för ställe? Så många av oss känner inte ens till vår egen historia, ” sa hon.

Under sin karriär har Fern & aacutendez, som föddes i Miami av kubanska föräldrar i exil, tagit på sig att lära sig sin egen kulturella härkomst, med fokus på Karibien och dess intellektuella som den kubanska poeten och filosofen Jos & eacute Mart & iacute, jamaicansk författare Sylvia Wynter, Saint Lucian-poeten Derek Walcott och Martiniquan-födda filosofen & Eacutedouard Glissant. & ldquoDet & rsquos är ett pågående forskningsprojekt för att lära mig om vem jag är, ” sa hon, “ liksom den underliggande inhemska raderingen runt Karibien. & rdquo

Många av dessa källor är emellertid kanske inte direkt uppenbara i hennes skulpturer och installationer, och hennes senaste verk visar dessa influenser på något osynligt sätt. Under ett socialt distanserat besök i hennes Brooklyn -studio i november inför sin nya separatutställning i New York, på Lehmann Maupin -galleriet, erinrade Fern & aacutendez om sin tid i Europa som en del av ett högskolestudier utomlands och besökte museerna där. Hon insåg att all den rikedom som visades på museer och katedraler kunde spåras till exploateringen av Västindien och arbetet av förslavade människor.

Jag blev verkligen intresserad av hur vi kan avkolonisera det sätt på vilket vi tänker på denna region, som för större delen av världen är denna periferi, den här lilla saken på kanten av något som ofta är mycket vulgärt förknippat med fritid eller semesterorter, & rdquo Hon sa. & ldquoDet & rsquos detta paradis där riktiga människor på något sätt inte gör rsquot bilden & mdashthey ​​& rsquore osynlig. & rdquo

För sin Lehmann Maupin -show, med titeln & ldquoMaelstrom & rdquo och visad till och med den 23 januari, har Fern & aacutendez skapat flera nya verk som tittar på kolonialismens historier i Karibien, särskilt Puerto Rico. (Utöver det har hon också erbjudit en “visuell uppsats ” mikrosida för att kontextualisera verken och erbjuder ytterligare avläsningar, som hon beskrev som showens ’s “underliggande sociala struktur. ”) & ldquoVi är ofta i detta villkor sätt att prata om kolonisering historiskt som om det är något som hände för länge sedan. Men Puerto Rico är detta experiment i kolonisering som aldrig tog slut, sa rdquo Fern & aacutendez och kallade det världens & rsquos äldsta koloni.

Puerto Rico & rsquos pågående kolonialhistoria informerar en av seriens serier, & ldquoHurak & aacuten, & rdquo, som består av 20 6-till-8-tums abstrakta blandade collage som Fern & aacutendez skapade tidigare i år, ensam i hennes studio under pandemin och rsquos första låsning, en process som hon beskrev som & ldquocathartic. & rdquo Serien har sitt namn från namnet Ta & iacuteno & rsquos för stormens gud, som sedan antogs av spanska kolonisatorer (och senare på engelska) för att namnge orkaner, regionen & rsquos tropiska cykloner. (& ldquoDen enda platsen i världen där orkaner kallas orkaner är i Karibien, & rdquo Fern & aacutendez tillagda.)

Varje verk i serien är uppkallat efter en historisk orkan & mdashMaria, Katrina, Paloma, till och med Teresita. Namnen är särskilt kvinnliga, och Fern & aacutendez kopplade detta till den historiska och pågående praxis med tvångssterilisering för färgade kvinnor i Amerika, som har ägt rum i Puerto Rico sedan 1930 -talet. Mellan 1930 och 1970 tvingades 35 procent av Puerto Ricas kvinnor steriliseras. Några av dessa kvinnor var också skyldiga att delta, ofta omedvetet, i kliniska prövningar som ledde till utvecklingen av p -piller. & ldquoDessa läkemedel var FDA-godkända eftersom de testades på puertoricanska kvinnor, & rdquo sa hon.

Fern & aacutendez, som vann en MacArthur “genius ” gemenskap 2005, är väl förtrogen med denna medicinska experimenthistoria eftersom hennes mamma upplevde det. När hennes mamma var 24 år tvingades hon genomgå en hysterektomi i USA. & ldquoDet kallades alltid för la operaci & oacuten, & rdquo Fern & aacutendez sa och tillade, “Saker hände dem som de inte ens visste om. & rdquo

Men, säger F & eacuternandez, det här är inte bara hemska berättelser från det förflutna och de är också verkligheter i dag och också, vilket framgår av de senaste visselblåsarens avslöjanden av tvångssteriliseringar i ICE-interneringar, främst på karibiska kvinnor. & ldquo Serien var ett sätt att ta alla dessa våldsamma händelser och återfall och stapla upp dem och skaka dem runt detta våld och övergrepp och avhumanisering av vissa kvinnors och rsquos kroppar. Detta är en stor del av Karibiens historia, & rdquo Fern & aacutendez sa.

Att det nyligen kom fram i ICE -interneringar är inget nytt, ” fortsatte hon. Det är lika gammalt som kolonisering. Det har aldrig försvunnit. & Rdquo Tillsammans sa Fern & aacutendez att utställningen blir ett porträtt av våld på många sätt. ”

Bilden av en tropisk storm förekommer i ett annat verk i utställningen, Caribbean Cosmos (2020), en 16 fot lång panel gjord av tusentals glaserade keramiska tesseraer som tillsammans bildar en skapad bild av olika virvlar som efterliknar flygkartor som visar orkaner som bildas över Karibien. Verket är samtidigt vackert och fängslande & mdasha gripande skildring av förödande förstörelse.

& ldquo Den rörelsen som du ser ser ut som den där virvlande orkanen, & rdquo Fern & aacutendez sa. & ldquo Om du krymper det till en mikroskopisk nivå, skulle det se ut som allt som händer i din kropp, och om du exploderade det för att vara lika expansivt som kosmos, skulle det se ut som Vintergatan. & rdquo

För en annan serie, med titeln & ldquoBlack Beach (Unpolished Diamond), ” Fern & aacutendez har skapat en svit med tre storskaliga verk som var och en innehåller hundratals bitar av hela kol, bränt trä från whiskytunnor och lavastenar (tillsammans med andra material ) som mödosamt fästs på en panel av polerat aluminium.

Eftersom dessa material har sin egen identitet är de inte neutrala, säger Fern & aacutendez. “Det & rsquos gillar inte att gå till färgbutiken, köpa en massa färg och sedan måla en bild av ett bränt landskap. Jag gör faktiskt en bild av ett bränt landskap med bitar av ett riktigt bränt landskap, som redan har sin egen historia. Det är nästan som att de är hemsökta material. & Rdquo

För konstnären innehåller landskapet hon har skapat de element som det är tänkt att skildra, och därför är det intimt kopplat till dem som bor i det landet. & ldquoDet handlar verkligen om människors historia, & rdquo sa hon. Det som representeras är inte bara naturen, utan något mer & mdashan -konstverk som existerar som människans historia, maktens historia, en ägandehistoria, en erövringshistoria. Det vi tänker på som landskapet, vanligtvis en passiv sak som bara existerar, är faktiskt mycket en konstruktion som & rsquos skapade kring föreställningar om makt och synlighet. & Rdquo


Hur konstnären Teresita Fernández vänder grafit, Stardust -grejerna, till minnen

På avstånd, samtidskonstnären Teresita Fern ández ’s skulptur Nocturnal (Horizon Line) verkar vara en enkel, modern rektangel av silvergrå. Med konstnärens ord, “ när du närmade dig direkt, ser du ingenting, bara en enkel mörkgrå rektangel. Men när du börjar flytta blir bitarna animerade. . . . Det är nästan som om bilden utvecklas framför dina ögon. ”

Graderingar av färg och konsistens kommer fram och bildar tre distinkta horisontella band. Den första, slät och platt, framkallar himlen. Den andra, blank och polerad, nickar till vattnet. Den tredje, tjock och organisk, representerar jorden.

Skillnaderna i konsistens möjliggörs av Fern ández ’s användning av grafit, ett mineral som bildats under tusentals år under jordens yta. Ett nytt avsnitt av “Re: Frame, ” en videowebserie producerad av Smithsonian American Art Museum, undersöker den övertygande roll grafit har spelat i konsthistorien och i Fern ández ’s arbete.

“Teresita Fern ández är forskare på många sätt och hon är också en konceptuell konstnär, ” säger E. Carmen Ramos, konservator för latinsk konst och museets ställföreträdande chefskonservator.

Fern ández föddes i Miami 1968 och tog sin BA från Florida International University och en MFA från Virginia Commonwealth University. År 2005 tilldelades hon ett MacArthur “Genius ” -bidrag och 2012 utsåg president Obama henne till U.S.Commission of Fine Arts. Hennes skulpturer och installationer finns på museer över hela världen, inklusive Smithsonian American Art Museum.

Fern ández ’s arbete fokuserar på den naturliga världen, som hon utforskar med okonventionella metoder och material. Hon har skapat bilder av molnformationer, vulkanutbrott och vattendrag, ” säger Ramos. I många fall använder hon en mängd olika material för att skapa dessa illusioner som blir upplevelser för betraktaren. ” Att skapa Nocturnal (Horizon Line), konstnären undersökte de materiella egenskaperna hos en oväntad substans: grafit.

Landskapsutvecklingen som konstnärligt fokus och dess koppling till materialet grafit tjänade som inspiration för Nocturnal (Horizon Line) av Teresita Fern ández. (SAAM, © 2010, Teresita Fern ández, 2012.38A-C)

“Grafit är ett naturligt förekommande mineral. Det förekommer över hela planeten Jorden och i rymden, och det bildas bara av grundämnet kol, ” säger Liz Cottrell, ansvarig kurator för stenar och malmer vid Smithsonian National Museum of Natural History i Washington, D.C.

Människor, djur och växter består av kol. Vi, människor, är koldominerade livsformer, och när vi dör sönderfaller våra kroppar och vävnader, och under värme och tryck på jorden förvandlas organiskt kol till grafit, ” säger Cottrell.

Även om det ofta misstas som bly, är arbetshästmaterialet i slutet av våra pennor faktiskt grafit. Enligt Cottrell är “graphite supermjuk, och det beror på att kolatomerna är arrangerade på slätter, i ark, och dessa ark slumrar helt enkelt av när du gnuggar den. ”

Grafit har varit ett populärt konstmaterial sedan 1500-talet. Det var en favorit hos renässansmästaren Leonard da Vinci, som använde grafit för att skapa några av de tidigaste “landscapes ” i västerländsk konsthistoria.

Innan da Vincis tid ansåg konstnärer att naturen var en bakgrund och inte ett ämne för konstverk. Da Vinci var bland de första som skapade ritningar som förgrundade naturen och firade landskapet snarare än den mänskliga civilisationen. “Det finns en djup koppling till grafit, som är relaterad till pennor och skildring av landskap, ” säger Ramos.

En av de mest populära grafitlokalerna historiskt sett är i England. . . där pennor först utvecklades, ” säger Cottrell. Borrowdale, i Cumbria-regionen, blev särskilt känd bland renässansartister för sina högkvalitativa insättningar. Redan innan da Vinci började rita med Cumbrian grafit använde engelska herdar den för att identifiera sina flockar genom att markera deras fårs ull.

Landskapsutvecklingen som konstnärligt fokus och dess koppling till materialet grafit tjänade som inspiration för Nocturnal (Horizon Line). Som en konstnär vars verk fokuserar på den naturliga världen drogs Fernandez till det fysiska läget —och materialet#som inspirerade den genre hon fortsätter att utforska.

Teresita Fern ández fokuserar på den naturliga världen, som hon utforskar med okonventionella metoder och material. (Noboru Morikawa, Wikimedia Commons)

Medan da Vinci skissade med en grafitpenna, skulpterar Fern ández med grafit själv. Hon var verkligen fascinerad av denna idé att skapa en bild vars material är intimt och helt integrerat med bilden hon skapar, ” säger Ramos.

Men Fern ández skildrar inte Borrowdale i Nocturnal (Horizon Line)—eller något specifikt landskap.

När du tänker på historiska landskap från 1800 -talet av Thomas Moran och Frederic Church, representerar de mycket specifika platser, eller hur? Oavsett om det är Chasm of Colorado eller Aurora Borealis, säger Ramos. När du tittar på det här verket har det en slags generisk känsla. ”

“Teresita Fern ández är inte intresserad av att skildra en specifik plats, men är verkligen intresserad av att trigga våra personliga föreningar, en besökares personliga förening, med en plats som de själva väljer, säger Ramos.

Grundad i århundraden av konsthistoria och årtusenden av geologiska processer, Teresita Fern ández ’s skulptur Nocturnal (Horizon Line) handlar i slutändan om personlig erfarenhet —it är saker av stjärnstoft som väcker minnen. Hennes användning av grafit förbinder skulpturen med landet, men bristen på specificitet gör att tittarna kan projicera sin egen miljö, antingen inbillad eller ihågkommen, på dess skimrande yta.

När jag tittar på det tänker jag på när jag bodde i Chicago och alla mina promenader och tittade på Lake Michigan. Den har den erfarenheten för mig. Även om det inte skildrar Lake Michigan, utlöser det minnet i min personliga historia, säger Ramos.

Teresita Fern ández '2010 Nocturnal (Horizon Line) finns på tredje våningen, östra flygeln av Smithsonian American Art Museum i Washington, DC

Om Melissa Hendrickson

Melissa Hendrickson är programledare och medskapare av webbserien Re: Frame från Smithsonian American Art Museum, där hon också är specialist på tolkning och publikforskning.


UTSTÄLLNINGSGUIDE

Teresita Fernández: Elementär är den första mitten av karriärens retrospektiv av internationellt hyllade amerikanska konstnären Teresita Fernández (f. 1968, Miami bor i New York). Fernández är en konceptuell konstnär som är mest känd för sina uppslukande installationer och skulpturer och sina monumentala offentliga konstuppdrag. Hennes konceptbaserade arbete är förankrat i att utmana konventionella definitioner av landskap genom att dekonstruera traditionella genrer av landskapsmålning och landkonst för att avslöja mer angelägna berättelser. Fernández lägger särskild vikt vid sitt kritiska materialval, till exempel guld, grafit, kol och andra mineraler som har komplexa historier som ofta är knutna till kolonialism, mark och makt.

© 2019 Pérez Art Museum Miami

”Landskap handlar ofta mer om vad du inte ser än vad du ser.

Jag börjar med att ställa mig den här enkla frågan: Var är jag? Historiskt, ekonomiskt, socialt, rasmässigt, geografiskt, visuellt, känslomässigt och fysiskt?

Teresita Fernández
INTRODUKTION

Teresita Fernández: Elementär är organiserad som en serie erfarenhetsinstallationer med olika verk gjorda under de senaste 20 åren. Dessa miljöer uppmanar tittarna att interagera med en serie "landskap" i ett försök att uppmana till kontemplation över identitet och personligt berättande genom en tyst upplösning av synlighet, materialitet och sammanflätade sociopolitiska historier. Tillsammans med den nya skulpturen Kör (2020) visar utställningen tillsammans för första gången några av Fernández viktigaste skulpturala verk och presentationen av hennes sällan skådade teckningar, som ger en intim inblick i hennes konstnärliga praktik. Nyare serier, t.ex. Fire (Amerikas förenta stater) (2017–19) och Viñales (2015–19), behandla landskapets politiska och sociala komplexitet.

Som helhet, Elementär uppmanar tittarna att konfrontera etablerade uppfattningar om vem de är genom en djupare förståelse för var de är, samtidigt som de erbjuder sprudlande, visuellt bländande konstverk som refererar till kosmos, det underjordiska, naturfenomen och naturens påtagliga skönhet.

Konstnärens senaste användning av eldbilder föreslår dock en mer brådskande, hotfull berättelse. Eld (Amerika) (2016–19) består av flera verk som ifrågasätter hur amerikanskt våld inramas efter vem som berättar historien. Det är också en hänvisning till Fernández intresse för hur urbefolkningen har format och odlat landet genom snitt-och-bränn tekniker för att främja dess hållbarhet, och avslöjade myten om en orörd amerikansk vildmark före europeisk kontakt.

BILDKREDIT

Brand, 2005. Silke, garn, armatur av stål och epoxi. Collection SFMOMA Accessions Committee Fund purchase. Created in collaboration with The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia.

In works such as Fire (America) 5 (2017) and Fire (America) 6 (2019), Fernández creates night scenes made of rich, color-saturated, glazed ceramic tesserae depicting landscapes engulfed in flames. These works provide visual representations of the erased, warped, and invisible histories that are deliberately omitted from our perception of what we define as the American landscape.

Surrounding the viewer is Charred Landscape (America) (2019), a horizon line of raw, sculptural, charcoal “land masses” made from burned wood that transforms into diffused gestural charcoal drawings created directly on the walls. The dramatic images have an almost cinematic effect, suggesting a panoramic landscape scene dissolving into smoke.

The largest wall work on view in this series is Fire (United States of the Americas) 3 (2017–19). Made from solid charcoal elements arranged in the shape of the continental United States, the piece emerges from a wall of gestural, smoky, hand-drawn marks depicting a country burning, falling, and slipping away. About the work, Fernández states:

The piece reinserts the shape of Mexico into the map, newly configured and reimagined as so immense that its redemptive, ghostlike presence starts to dissolve into the cosmos, looming large over the United States. The charred image prompts viewers to contemplate and question the social history of the United States of America—only here are we in the habit of using the term “America” in its singular form. Throughout the rest of the Western Hemisphere, the term is customarily used in its plural form, “the Americas.”

IMAGE CREDIT

Fire (United States of the Americas) 3, 2017–19. Charcoal. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Beth Devillier.

GRAPHITE

The idea that the pencil that you are drawing with could come from a physical landscape, where you could stand on that landscape and everything underneath your feet would be solid graphite, became another way for me to think about the act of drawing and Land art. Drawn Waters (Borrowdale) is like making a sculpture that’s really a drawing, a kind of dimensional, physical smudge. So that the act of drawing, the object of drawing, and the physical landscape become one and the same. To assemble the parts of a sculpture like Drawn Waters (Borrowdale) becomes precisely to engage in making a drawing.

Liknande, Sfumato (2019) is an immersive, site-specific installation that sweeps across the walls of the gallery like an organic, dissolving swarm. It is made of thousands of small rocks of raw, mined graphite—each with a feathery drawn mark that emanates from it like a cosmic trail. Sfumato’s scale shifts from intimate to vast, from miniature to panoramic so the work appears like a spreading constellation from a distance. Up close, the individual graphite elements each become their own tiny, solid landscape.

Fernández’s use of graphite, a mined, subterranean material, can also be seen in her Nocturnal series (2009–17), where dark-relief, graphite panels allude to mysterious night scenes and explore the material’s sculptural qualities beyond its common association to traditional modes of drawing. The panels suggest monochromatic, minimalist paintings, but the dimensional, carved, polished, and layered graphite slowly transforms to reveal a reflected surface of lustrous relief landscape paintings.

IMAGE CREDIT

Drawn Waters (Borrowdale), 2009. Natural and machined graphite on steel armature. Sfumato, 2009. Graphite and magnets, dimensions variable. Installation view: Lehmann Maupin, New York, 2009. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

SUBTERRANEAN

Fernández draws from her personal experience in the elaborate cave system of the Viñales Valley. Used since prehistoric times, the caves were once occupied by Taino indigenous people before colonization and were later used as a place of refuge for Maroons, or runaway slaves, who fled from surrounding plantations to freedom and formed small communes by hiding in the caves by day. As viewers engage with the immersive sculpture, the suggested landscape expands and contracts, prompting them to visually construct the image and become the size of what they are looking at.

Here, Fernández uses malachite rocks brought from the Democratic Republic of the Congo for their visual similarities to the lush, vibrant, and green Viñales Valley. This choice of material asserts what Fernández refers to as “stacked landscapes.” The malachite comes from a real landscape in the Congo and is used to create another imagined landscape, in the process highlighting the historical, cultural, and conflicted colonial relationship between Africa and Cuba. The idea is that when viewers unravel the landscape, they are always in more than one place simultaneously. Surrounding glazed ceramic panels reveal mineral-like, subterranean views that further reinforce the idea of the caves as protective, womb-like interiors.

IMAGE CREDIT

Viñales (Reclining Nude), 2015. Wakkusu concrete. bronze, and malachite. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

NIGHT WRITING

The title of the series is a reference to “Écriture Nocturne,” a code devised in the early 19th century to enable Napoleon Bonaparte’s soldiers to communicate at night, silently and without light. The code was also an early precursor to braille.

Each sumptuous, paper-pulp image of the night sky in the series is covered with words that have been translated into braille patterns, which become an abstracted field of perforated constellation points superimposed onto a mirror backing. Each dot appears to flicker, catching reflections of viewers moving in front of the works.

Artworks such as Night Writing (Tristan and Isolde) (2011) och Night Writing (Hero and Leander) (2011) contain cryptic words lost in an undecipherable code of dots. The works become a statement on the ephemeral quality of abstracted language as viewers attempt to grasp the content hidden within the invisible text. Fernández’s works often explore this subtle space between blindness, vision, and the tactile.

IMAGE CREDIT

Night Writing (Hero and Leander), 2011. Colored and shaped pulp paper with inkjet assembled with mirror. Made in collaboration with Singapore Tyler Print Institute. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

I’m very interested in the idea of gold as a cultural phenomena in ancient traditions of mining that originated in Africa, China, and Mesoamerica well before the more familiar European traditions ever evolved. Gold is present all over the world and has, across every time period and culture, been synonymous with the sun, with light, with radiance—subterranean metals connected to their heavenly counterparts. But my use of gold is also a very deliberate reference to colonization. The history of gold as a material is also, always, the history of landscape in the Americas, of land, conquest, power and, by default, of the erasure and decimation of indigenous peoples for European greed.

IMAGE CREDIT

Nishijin Sky, 2014. Silk, polyester, paper, nylon, brass, and aluminum. Made in collaboration with HOSOO, Kyoto, Japan. Courtesy the artist. and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Noboru Morikawa.

BORROWED LANDSCAPE

The installation Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue) (1998) is made of sculptural volumes of colored light, sheer fabric, and wood that hover in a dark room and exist somewhere between architecture, sculpture, and painting. Each “room” has a floor covered with thousands of miniature, hand-drawn shapes taken from 17th-century garden hedge patterns. Together, they read simultaneously as rugs and aerial landscape views, toggling between scales to create something akin to an indoor landscape or an outdoor room. Much like in a real garden, viewers trace the space by walking through the mazelike, geometric volumes that contract and expand into shifting vistas.

IMAGE CREDIT

Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue), 1998. Wood, fabric, oculus light, graphite, and paint. Originally commissioned at Artpace, San Antonio, Texas. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.


Related story

A domed ceiling of white plaster tops the space, which will be used for large-scale installations and &ndash after the coronavirus pandemic &ndash large gatherings.

Art by Teresita Fernández occupies one wall of the Williams Forum

Displayed on the east wall of the Williams Forum is a map of America made from pieces of charcoal by American artist Teresita Fernández.

Called Fire (United States of the Americas), it "points to the cycles of destruction and regeneration on which the history of this country is built", according to the museum.

Tiles have been restored and pipes laid below the Vaulted Walkway

The Vaulted Walkway, a 640-foot-long (195 metres) corridor running the breadth of the exterior of the Philadelphia Museum of Art, has been reopened again after 50 years.

The Guastavino tiles in the vaults between the collonades have been restored, and new steam pipes, water lines, electric and internet cables have been installed below the paving to improve the museum's infrastructure.

The South Hall has been turned into a sculpture room

A room at one end of the Vaulted Walkway, called the South Hall, has been refurbished and turned into a sculpture display area.

Gehry is a much-lauded architect and the recipient of the Pritzker Architecture Prize, Japan's Praemium Imperiale, and America's Presidential Medal of Freedom amongst other accolades.

Notable museum projects from his practice include the upcoming Luma Arles arts tower in southern France, which is slated to open in June, and the Guggenheim Museum in Bilbao.


Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a conceptual artist best known for her monumental, public projects that expand on notions of landscape and place. Her work, often inspired by natural phenomena—meteor showers, fire, and the night sky—invites experiential engagement with the work and the space it occupies. Fernández places particular importance on her choice of materials such as gold, graphite, and other minerals that have loaded histories, often tied to colonialism, history, land, and power. Her work is characterized by a quiet unraveling of place, visibility, and erasure that prompts an intimate experience for individual viewers. In 2015, Fernández installed her largest public art project to date, Fata Morgana, in New York’s Madison Square Park. The work was composed of overhead, mirrored canopies above all of the park’s walkways, and its title refers to mirages that hover right above the horizon.

Fernández is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, a 2003 Guggenheim Fellowship, and a Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the US Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics. Her upcoming mid-career museum retrospective, Teresita Fernández: Elemental, is currently on view at the Pérez Art Museum Miami. Surveying over 20 years of work, the exhibition will travel to the Phoenix Art Museum followed by the New Orleans Museum of Art. Fernández’s public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández’s recent site-specific commissions include Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (…Nothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006).

In 2001, Fernández worked with the Public Art Fund to realize Bamboo Cinema, a large-scale, maze-like installation made of colored, translucent polycarbonate tubes in Madison Square Park, New York City.

Cecilia Vicuña (b. 1948 in Santiago, Chile is a poet, artist and activist. She lives and works in New York and Santiago) integrates practices of performance, Conceptualism, and textile in response to pressing concerns of the modern world, including ecological destruction, human rights, and cultural homogenization. Born and raised in Santiago, she was exiled during the early 1970s after the violent military coup against President Salvador Allende. This sense of impermanence, and a desire to preserve and pay tribute to the indigenous history and culture of Chile, have characterized her work throughout her career.


Teresita Fernández

“ ..Best known for her unique installations and immersive public projects, Fernández explores ideas of the figure in the landscape, the natural world, the extremes of scale, as well as the act of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, New York (West 22nd St)

“ ..She is an artist best known for her conceptual, experiential works, prominent public sculptures, and unconventional use of materials.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández's work is characterized by an interest in perception and the psychology of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández here seeks to revise our notion of what is the “American Landscape” and who gets to define it.. ”

Click for full text

Teresita Fernández is an American Postwar & Contemporary artist who was born in 1968. Her work was featured in numerous exhibitions at key galleries and museums, including the SFMOMA, San Francisco Museum of Modern Art and the Museum of Fine Arts, Boston. Teresita Fernández's work has been offered at auction multiple times, with realized prices ranging from $195 USD to $132,000 USD, depending on the size and medium of the artwork. Since 2006 the record price for this artist at auction is $132,000 USD for Burnout, sold at Sotheby's New York in 2006. Teresita Fernández has been featured in articles for the ArtLyst, the ARTnews and the ARTnews. The most recent article is Teresita Fernández Depicts Caribbean Colonialism and Eco-Trauma written by Louis Bury for the Hyperallergic in January 2021.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


Titta på videon: СЛЕДЫ ИМПЕРИИ: ЗОЛОТО. ЧТО СТАЛО С ЗОЛОТОВАЛЮТНЫМ ЗАПАСОМ СТРАНЫ В XX ВЕКЕ (Augusti 2022).