Historia Podcasts

Målning av de östra palatserna

Målning av de östra palatserna


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Syro-palestinsk konst och arkitektur

Våra redaktörer kommer att granska vad du har skickat in och avgöra om artikeln ska revideras.

Syro-palestinsk konst och arkitektur, konsten och arkitekturen i det antika Syrien och Palestina.

De länder som gränsar till Medelhavet mellan Sinaihalvön och Nur Dağları (Amanusbergen), som namnen Palestina och Syrien ofta löst tillämpas på, hade faktiskt ingen geografisk integritet eller tydlig historisk definition. Syriens inre och dess utsträckning bortom Eufrat har tidigare alltid skilts etnografiskt och ibland politiskt åt från Levants kuststäder, vars föreningar var med Kilikien och handelsvägarna i Palestina. Under den tidiga historiska tiden dominerades dock både Syrien och Palestina kontinuerligt av en eller annan av de stora kejserliga makterna - egyptiska, mesopotamiska eller hetitiska. Denna situation bidrog inte på något sätt till den sammanhängande utvecklingen av den inhemska kulturen. Följaktligen är dessa länders individuella bidrag till den totala prestationen av forntida Mellanösternkonst av sekundär betydelse.

Ett undantag från denna generalisering måste dock göras när det gäller förhistoria. Ett arkeologiskt ljud i Jericho, som förde tillbaka bosatta samhällenas historia långt bortom de tidigaste fynden som gjordes i Tigris -dalen, avslöjade en liten, symmetriskt planerad religiös byggnad (från cirka 7000 fvt). Detta borde kanske betraktas som det tidigaste försöket till formell arkitektur. I en miljö bara ett sekel eller så senare hittades en konstig samling mänskliga huvuden, deras funktioner kompetent modellerade i gips, ibland över benet på verkliga skalle.

Tidigt under det andra årtusendet f.Kr. blev Levanten och dess kuststäder ett beroende av Egypten. Lokala härskare importerade egyptiska konstverk, vilket gav viss stimulans till regionalt hantverk. Härskarnas gravar - till exempel i Byblos - var försedda med fina hantverk i guld, elfenben, ibenholt och obsidian. Föremålen som gjordes lokalt kan lätt skiljas från de som importerades från Egypten genom deras jämförelsefulla bristande prydnad. Egyptiska motiv antogs i allmänhet som element i dekorativ design, men de kopierades utan precision och utan hänsyn till deras betydelse var resultaten därför av mycket ojämn kvalitet. De estetiska bristerna i delvis eller helt härledda prydnadsstilar präglade levantinsk konst under många århundraden framöver.

Mer uppenbara tecken på regional individualitet är uppenbara i utvecklingen av syrisk arkitektur under denna period. Det syns kanske bäst i de mindre städerna i inlandet, som var mindre utsatta för egyptiskt inflytande. Två palats vid Alalakh (moderna Tell Aƈana, Turkiet), på Antiokias slätt, byggt på 1400- och 1200 -talet f.Kr., visar några karakteristiskt syriska drag. Träpelade portiker vid entrén till mottagningssviterna markerar utvecklingen av en standard palatsenhet, känd som en lite hilani, allmänt antagen några århundraden senare av syro-hetiterna (ser konst och arkitektur, anatoliska: Hetitiska perioden). Basaltortostater, ännu oskulpturerade, förutsåg de i de neo-assyriska palatsen och väggmålningar, liksom de på Mari, dekorerade kamrarna i en övre berättelse på kretenskt sätt. Det tidigare palatset producerade ett enda stenhuvud som illustrerar den samtida syriska skulpturstilen när den är som bäst. De återstående exemplen är grova.

Under de första århundradena av det första årtusendet f.Kr. blev en remsa av Levantkusten, från ṭarṭūs (Syrien) till någonstans söder om berget Karmel, hemland för ett kanaanitiskt folk som kallas fenicier. Som ett resultat av arkeologiska utgrävningar är något känt om deras arkitektur såväl som de samtida israeliterna i Palestina. Mycket information har erhållits om deras muromgärdade städer och utvecklingen av deras befästningar från 1700 -talet f.Kr. Det verkar som att vid kung Salomos tid, på 900 -talet f.Kr., hade sådan militär arkitektur standardiserats, för i tre städer - Hazor, Megiddo och Gezer - är väggar och portar nästan identiska. Väggar är av kasemattyp (parallella väggar med ett mellanrum mellan) med inre kammare, och portar är genomarbetade, med flankerande torn och en inflygning genom flera tvärgående kammare. På 800 -talet f.Kr. erfordrade uppfinningen av en mer effektiv slagverke ersättning av kasemattväggar med mer fasta strukturer.

De ganska knappa resterna av kanaaneiska tempel har också hittats i Hazor och på andra håll. De bestod av en innergård, stora hall och helgedom, alla på en enda axel, med enstaka sidokammare. Hazor -byggnaden visade en egenskap som motsvarade den bibliska beskrivningen av de "fräcka pelarna" på vardera sidan av den centrala dörröppningen till Salomos tempel, som hade byggts av feniciska hantverkare på 900 -talet fvt.

Två former av feniciskt och syriskt hantverk tar en hög plats i repertoaren för gammal konst i Mellanöstern: snidning och dekoration av elfenben och reposering av ceremoniella skålar och andra bronsföremål. Några av de bästa exemplen i båda kategorierna finns bland den stora sammansättningen av material som importerats eller tillägnats av senassyriska kungar och finns i deras palats, särskilt i Nimrūd. Elfenbenssnideri har en lång historia i Syrien och Palestina, vilket framgår av de välkända elfenbenen från Megiddo, varav några är daterade redan på 1300-talet f.Kr. Så mycket studier har ägnats åt deras design, särskilt dess icke-egyptiska innehåll och det ursprungliga bidraget från regionalt hantverk, att vissa forskare tror att det är möjligt att skilja rent syriska mönster från de från feniciska verkstäderna.


Out & About-Art Deco Icon Eastern Columbia Building i centrala Los Angeles

En gång i tiden var Broadway Theatre District i centrala Los Angeles centrum för underhållning för staden. Tolv teatrar på Broadway mellan 3rd Street och Olympic Boulevard var miljonernas destination. På den tiden fanns det inget annat som dessa imponerande filmpalats och teatrar i LA. det vill säga tills Sid Grauman byggde den egyptiska teatern 1922 och började den dramatiska underhållningsflykten från detta distrikt till Hollywood. Han hade ansvarat för att öppna Million Dollar Theatre i centrum 1918, det första filmpalatset i Los Angeles och ett av de första i sitt slag i USA. Andra öppnade ungefär samtidigt längs Broadway-Roxie, Cameo, Arcade, Los Angeles, Palace, State, Globe, Tower, Rialto, Orpheum och United Artists. Liksom sin namne i New York City levde LA: s Broadway med otaliga starka ljus och flimrande filmtält under 1920- och 1930 -talen.

De två senaste teatrarna jag nämnde-Orpheum och United Artists-är båda grannar till ämnet för mitt senaste besök, Eastern Columbia Building. Sitter på 9: e och Broadway precis nerför gatan från film noirDen berömda Bradbury -byggnaden, Eastern är arkitekt Claud Beelmans verk och ett mästerverk i art deco -stil. Det öppnade den 12 september 1930, efter bara 9 månaders konstruktion. svårt att föreställa sig den strama tidslinjen med tanke på vad som krävs av entreprenörer idag bara för att bygga om ett hus. Och ändå blev denna ikon av stålarmerad betong snabbt en av de största byggnaderna i hela USA.

Förra månaden diskuterade jag de många tecknen på Art Deco -design här på GlamAmor efter mitt besök i LA: s stadshus. Östra byggnaden verkar ha dem alla. För det första är det dess betoning på symmetri och geometri som arbetar tillsammans för att förbättra vertikalen. Till exempel ekar flera kolumner byggnadens yttre linjer och höjd. Det finns också de välbekanta formerna, mönstren och motiven för Deco-solbrott, chevrons, zigzags och stiliserade växter och djur. du ser dem alla på byggnadens fasad och spektakulära huvudentré. Sedan liknar de flygande stöttorna ovanför klocktornet pyramiden (ytterligare ett märke av Deco) som toppar stadshuset. Även trottoarerna har chevronmönster inlagda i den mångfärgade terrazzo som omger byggnaden.

Namnet Eastern Columbia kommer från de två företagen som var dess ursprungliga hyresgäster-Eastern Outfitting Company och Columbia Outfitting Company. möbel- och klädbutiker. Ungefär som det mäktiga varuhuset Bullocks-Wilshire längre västerut, en annan Art Deco-ikon, kan jag bara föreställa mig shoppingupplevelsen i ett sådant konstverk. Idag har östern räddats från förstörelse och smart omformats till 13 våningar med loft. Lobbyn har förvandlats av inredningsarkitekten Kelly Wearstler som också inredde Viceroy Hotel i Santa Monica bland många andra platser runt om i världen. Och det finns nu en pool på terrassen precis under klockans ansikte, som (som en älskare av stora pooler) gör mig svag i knäna. Under mitt besök pratade jag med en av dess hyresgäster och förstod snabbt hur lycklig han anser sig bo där. Tyvärr fick jag inte vara med om att bevittna allt från första hand-strikt byggpolitik förbjuder det och till och med böter invånare som tillåter utomstående.

Även om det finns många hisnande sevärdheter att se i staden Los Angeles, är Eastern Building en av de bästa. Och trots att det är en av de mest fotograferade byggnaderna i LA och ett landmärke i art deco-i nivå med sin kusin på östkusten, Empire State Building-är det fortfarande överraskande under uppskattat. Svårt att tro när du bevittnar den glänsande turkosa terrakottan som lyser i solen. Jag uppskattar det varje dag. den sitter bara två kvarter från GlamAmor -utställningslokalen i California Market Center och hälsar mig utanför mitt fönster underbart varje morgon och en showstopper säger adjö till mig med sitt glödande neonskylt på natten. Många anser att det är det finaste-Art Deco eller på annat sätt-av alla Los Angeles historiska byggnader.

Och så nu, när min månad (eller så) av art deco börjar närma sig, är jag glad att kunna presentera dig för den otroliga ikoniska arkitekturen i Eastern Columbia Building.


Claude Perrault, östra fasaden av Louvren

Det är inte omedelbart uppenbart varför Louvren -museets östra fasad, ursprungligen ett kungligt palats, ansågs vara bland de viktigaste arkitektverken i Frankrike i slutet av sjuttonhundratalet. Det finns en inkongruitet idag mellan byggnadens storhet och det vanliga - och det lilla - i utrymmet framför det, Place du Louvre. Ursprungligen utformad för att vara den främsta, ceremoniella ingången till palatset, återger fasaden stor uppmärksamhet, trots sin oöverträffade position idag. Det är ett framstående exempel på den strikta designtraditionen i fransk klassicism, en vördad modell för efterföljande palatsdesign och ett monument i samband med modernitetens ursprung i arkitekturen.

Louvren genom århundradena

Louvren som vi känner den idag berodde på en rad utbyggnader över 800 år. Det bör komma ihåg att medan Louvren nu ligger i centrala Paris, var den fram till artonhundratalet vid stadens västra kant.

Herman, Paul och Jean de Limbourg, oktober (detalj med Louvren), från Les Très Riches Heures du Duc de Berry, 1413-16, bläck på veläng (Musée Condé, Chantilly)

Från och med omkring 1190 konstruerade kung Philippe II en befäst arsenal på Seine flodens högra strand. På 1400 -talet förvandlade Karl V den till ett kungligt residens. Oktoberillustrationen från den berömda Très Riches Heures du Duc de Berry, en vackert dekorerad timmebok (en samling dagliga böner för lekarna) av bröderna i Limbourg (ovan), föreslår hur fästningspalatset såg ut strax efter Karls ingripanden.

Claude Perrault, perspektivfågel ’s ögonvy över Cour Carrée (Louvren), från öst, 1663

I början av sextonde århundradet planerade Francis I: s arkitekter att bygga ut palatset till en rymligare renässansbyggnad. Hans efterträdare, särskilt kungar Henri IV, Ludvig XIII och Ludvig XIV, fortsatte att göra allt större planer - att göra palatset till en vidsträckt struktur längs floden. Ludvig XIII inledde byggandet av det östra kvarteret som kallas Cour Carrée (fyrkantig innergård) på 1600 -talet - en symbolisk gest att nå ut till stadens centrum från dess periferi (ovan). Dess fasader var avsedda att föreslå anslutning av kungen till hans huvudstad. I mitten av sjuttonhundratalet fanns ingenting över marken kvar av den medeltida fästningen eller palatset från femtonde århundradet. Slutligen, under 1660 -talet, ombildades östra flygeln som en storslagen kunglig ingång till hela strukturen.

Men 1680 hade Ludvig XIV riktat hans fulla uppmärksamhet - och förde hela hans hov - till det nya palatset i Versailles. Arbetet vid Louvren upphörde och den övergivna Cour Carrée slocknade utan tak i cirka ett sekel. Ironiskt nog blev det som dess beskyddare och arkitekter hade tänkt som en av Paris mest framträdande symboler för kungligt herravälde över staden istället ett tecken på kungens frånvaro.

Colbert, Le Vau och Bernini

År 1664 blev färdigställandet av Cour Carrée med nya östra och södra vingar ansvarig för Ludvig XIV: s finansminister, byggnadsinspektör och ledare för kungligt kulturellt skydd, Jean-Baptiste Colbert. Kungarna Premierarkitekten (Chefsarkitekt), Louis Le Vau, hade redan slutfört södra flygeln 1663. Som en del av sin plan att avsluta Cour Carrée började han också bygga östra flygeln med en design som omfattade en kolossal ordning (högre än en berättelse) kolumner längs dess längd och en central paviljong (en sektion som skjuter framåt). Detta hade likheter med Le Vau's Collège des Quatre Nations (nedan), som byggdes samtidigt tvärs över floden från södra vingen av Cour Carrée.

Louis Le Vau, Collège des Quatre Nations, 1662-70 (foto: Tales of a Wanderer, CC BY-NC 2.0)

Av till synes politiska skäl stoppades allt arbete med Le Vaus Louvredesign av Colbert när han tillträdde sin tjänst som byggnadsinspektör den 1 januari 1664. Le Vau hade nyligen designat en spektakulär slott, Vaux-le-Vicomte, för Nicolas Fouquet (ekonomi minister före Colbert). År 1661 fick Ludvig XIV Fouquet fängslad på livstid på överdrivna anklagelser om felaktig hantering av statskassan. Colbert stoppade Le Vaus Louvre -arbete, kanske för att stärka kungens anspråk på absolut makt och hävda sin egen exklusiva befogenhet att besluta om konstnärliga frågor. Sedan begärde Colbert mönster från andra franska arkitekter, och i mars bjöd han in ett förslag från Gianlorenzo Bernini, lätt den mest kända konstnären i Europa vid den tiden. Bernini var italienare och arbetade främst för påvliga beskyddare i Rom.

Gian Lorenzo Bernini, Louvren, östra fasaden (studie för det första projektet), brunt bläck på lagt papper, 16,3 x 27,8 cm (The Courtauld Gallery, London)

Berninis första mönster för Louvrens östra fasad (ovan) var anmärkningsvärt levande, artikulerade av kolossala engagerade pelare (“engaged ” här medel fästa på en vägg). Hans väggar livades upp av kontraster mellan ljus och skugga, fasta och tomma, krökta och raka linjer. Colbert ogillade att dessa mönster var för långt ifrån franska traditioner, men i avsikt att ha en så uppskattad konstnärsbyggnad för kungen (och att bortse från de förolämpade franska arkitekterna skulle känna att bli snubbed för en utlänning), bjöd han in Bernini till Paris för att försöka återigen. Bernini stannade i Paris från juni till oktober 1665. Projektet han producerade (nedan) var ett massivt kvarter, som restes upp på en starkt rustikerad bas och återigen artikulerades av en kolossal ordning av engagerade pelare och pilastrar (pilaster är platta engagerade pelare). Även om dess ände och centrala paviljonger var en nick till den traditionella formen av franska palats, verkade det mer hemma i Rom än Paris. Byggandet började strax innan Bernini lämnade Paris, men Colbert stoppade snart också detta arbete.

Gianlorenzo Bernini, tredje och sista designen för den östra fasaden av Louvren 1665, ritad av Mattia De Rossi

De petite conseil och den slutliga designen

För att gå vidare med arbetet på östra flygeln utsåg Colbert en petite conseil (litet råd) i början av 1667, bestående ursprungligen av tre medlemmar: Louis Le Vau (fortfarande Premierarkitekten trots hans Fouquet -anslutning), Premier peintre (Huvudmålare för kungen) Charles Le Brun och läkaren, som blev forskare och arkitekt Claude Perrault. Claude var bror till Charles Perrault, en författare som var mest känd för sina sagor, en framstående medlem i Académie française (French Academy) och en nära medarbetare till Colbert's. Charles påverkade förmodligen Colbert att ge sin bror Claude en plats på petite conseil. Till hans fördel kunde Charles peka på sin brors senaste sysselsättning inom arkitektur, som inkluderade en uppgift från Colbert 1666 att översätta den franska romerske arkitekten Vitruvius till franska.

I maj 1667 hade rådet tagit fram en ny design. De tre medlemmarna fick sällskap av en fjärde, arkitekten Roland Fréart de Chambray 1668 verkar han ha bidragit till paviljongernas slutliga utformning. På grund av kommittéstrukturen har debatten om författarskapet till östra flygeln fortsatt från början till nutid. Utan tvekan bidrog alla fyra i rådet - var och en av en kraftfull personlighet - till utformningen. Den relativa betydelsen av Le Vaus och Perraults bidrag har emellertid varit omtvistad.

Tallrik 7. Louvren i Paris: höjden av huvudfasaden mot Saint-Germain l ’Auxerrois från Jacques-François Blondel, Arkitektur françoise, Tome 4, Livre 6, 1756

Rådets design är en studie i enhet. Den långa fasaden följer det femdelade mönstret i franska palats: två paviljonger, en i varje ände, med infällda vingar och en central ingång toppad med en fronton. Paviljongerna skjuter dock bara fram lite från vingarna, och de stiger inte högre än dem, som det var traditionellt. Endast den låga triangulära formen på centralpaviljongens fronton bryter taklinjens strikta horisontalitet, betonad och mjukad med en balustrade (ett kontinuerligt räcke), vilket var ett favoritmotiv för Le Vau. Slutpaviljongerna, elegant detaljerade med skulptur med låg relief, påminner om romerska triumfbågar. Den nedre berättelsen är utformad som en solid bas och använder fönster som liknar tidigare på Louvren, vilket skapar visuell kontinuitet med de äldre sektionerna och ger ett visuellt starkt stöd för pelarna ovan.

De klassiska orden

Tillsammans med fasadens horisontalitet markerar de dubblerade kolumnerna i de dubbla portikorna (täckta gångar eller verandor, här längs kolonnaderna eller infällda vingar) en avvikelse från tidigare kungliga byggnader i Frankrike. De korintiska kolumnerna ger en kontinuerlig, stadig rytm till hela fasaden. Ljuset och skuggan av kolumnerna ligger framför de djupa portikonerna och skapar visuell berikning. Och det finns variation i användningen av pelarna: vid mittpaviljongen och i pelarna är de fristående, men i ändpaviljongerna förvandlas de till engagerade pelare runt de centrala fönstren och till pilaster vid ytterkanterna. Deras något smalare andel jämfört med de flesta korintiska kolumner kompenserar för den större andel man uppfattar i det kopplade motivet.

Claude Perrault, östra fasaden av Louvren, Paris (foto: BikerNormand, CC BY-SA 2.0)

Plan (ovanifrån) som visar infälld portik (den öppna gångvägen eller verandan bakom ihopkopplade pelare)

På den tiden var de parade kolumnerna den mest häpnadsväckande aspekten av designen. Frågan om avståndet mellan kolumner (kallad interkolumniering) var en som Vitruvius och renässansarkitekturförfattare hade ägnat mycket tid åt. Ett litet diagram publicerat i Claude Perraults översättning av Vitruvius, Les dix livres d’architecture de Vitruve, förklarar hur kolonnaderna utformades. Perrault visar en serie med fyra kolumner fördelade jämnt i rad. Detta är till exempel den typiska interkolumneringen av ett gammalt tempel. För att uppnå Louvrens pelargångsdesign visar Perrault hur varannan kolumn förskjuts mot sin granne till vänster.

Diagram baserat på original i Claude Perrault, Les dix livres d’architecture de Vitruve, Paris: Coignard, 1673. Tecknad av Paul A. Ranogajec

Genom att förskjuta hälften av kolumnerna för att skapa dubbelkolumnmönstret läggs större vikt vid mellanrummen mellan kolumnerna: det vill säga det stora utrymmet mellan varje par av kolumner (B) och det smala utrymmet mellan kolumnerna i varje par ( A). Detta skapar den dynamiska visuella rytmen, A-B-A, istället för den mer statiska A-A-A.

Enligt Perrault resulterade detta arrangemang i större avstånd än vanligt (förlovning), är en legitim uppfinning av en sjätte typ av klassisk interkolumniering. Den antika romerska arkitektmyndigheten, Vitruvius, hade diskuterat fem ideala typer av kolumnavstånd Perrault hävdade att Louvren var en ny typ som passar modern fransk smak. Han hävdade att medan de gamla föredrog kolumner med nära avstånd - delvis på grund av de strukturella gränserna för att bygga i sten - föredrog fransmännen, med sin tradition av lättare, mer öppen struktur som härrör från de gotiska katedralerna under senmedeltiden, större avstånd. Perrault diskuterar dock aldrig det faktum att fasaden använder en stor mängd järnförstärkning, utan vilken strukturella krafter tenderar att pressa pelarna utåt.

Perraults skönhetsteori och grälet mellan de gamla och moderna

Även om conseils det kollektiva författarskapet till fasaden är nu etablerat, Perraults senare arkitekturteori har länge lästs som en förklaring av designen och en bekräftelse på dess inneboende modernitet. Perraults grundläggande utmaning för traditionella arkitektoniska idéer var påståendet att skönhet inte var en naturlig eller universell egenskap, det berodde inte på exakta, oföränderliga proportioner eller på matematisk harmoni. Skönhet, hävdade Perrault, var kontingent, baserad på fantasi och sedvanlig användning. För att övervinna möjligheten till ett helt subjektivt omdöme om arkitektonisk skönhet, måste förnuftet styra arkitektens tillvägagångssätt. Arkitekter var tvungna att upptäcka skönhet själva genom designprocessen.

Perraults eget försök att tillämpa ett modernt förhållningssätt till skönhet finns i hans arkitektoniska avhandling, Ordonnance des cinq espèces de colonnes selon la méthode des Anciens. Han framställer två typer av skönhet som är tillgänglig för arkitekturen: positiv och godtycklig. Positiv skönhet är,

baserat på övertygande skäl ... vars närvaro i verk är tvungen att tillfredsställa alla, så lätt att förstå deras värde och kvalitet. De inkluderar materialens rikedom, byggnadens storlek och storhet, utförlighetens precision och renhet och symmetri ... [som] består i det förhållande som delarna har tillsammans…. ” Däremot är godtycklig skönhet ”bestämd av vår önskan om att ge en bestämd proportion, form eller form till saker som mycket väl kan ha en annan form utan att vara missformade och som verkar behagliga inte av skäl inom allas räckhåll utan bara av sedvänja….

Andelen var ett andra område där Perrault erbjöd något nytt för arkitekturteorin. Fram till sin tid hade författare om arkitektur vanligtvis tilldelat proportioner en avgörande roll för uppfattningen av skönhet. Däremot skriver Perrault på första sidan av Ordonnans att ”en byggnads skönhet, liksom människokroppens, ligger mindre i exaktheten av den oföränderliga andelen och den relativa storleken på beståndsdelar än i dess form.” Ändå erkände Perrault att vissa intervall av acceptabla proportioner kunde extraheras från både de befintliga monumenten från antiken och de proportionella system som utvecklats av Vitruvius och berömda renässansarkitektförfattare. Han medger att det finns "detaljerade regler som man inte kan avvika från utan att beröva en byggnad av mycket av dess nåd och elegans", men han hävdar snabbt att det fortfarande finns "tillräckligt med latitud för att lämna arkitekter fria att öka eller minska dimensionerna på olika element enligt kraven från olika omständigheter. ” Han kritiserar tidigare författares proportioneringssystem och erbjuder sedan sitt eget: ett medelvärde taget från de ytterligheter som finns i uppskattade byggnader från historien. Även om han lämnar utrymme för uppfinningar, är han ändå försiktig med att motivera sitt proportionella system utifrån exempel från det förflutna.

Sébastien Leclerc, Lyfter Louvre -fronten på plats 1674, 1677, gravyr

Detalj med parade pelare, tallrik 7. Louvren i Paris: höjd av huvudfasaden mot Saint-Germain l’Auxerrois (detalj) från Jacques-François Blondel, Arkitektur françoise, Tome 4, Livre 6, 1756

I Ordonnans Perrault excoriates traditionalister som har en "överdriven respekt för antiken" och som "verkligen tror att deras älskade antikens ära vilar på att den anses vara ofelbar, oändlig och makalös". Detta placerade honom i det moderna lägret i elitkulturdebatten som blev känd som de gamla och moderns gräl. Denna debatt handlade om frågor om de relativa förtjänsterna av litterära och konstnärliga prestationer i modern tid (särskilt Louis XIV: s tid, men också om hans närmaste föregångare) och antiken. Moderns, ledd av Claude Perraults bror Charles, vars seriebok Parallellt med de gamla och moderna var en teststen för debatten, trodde på den allt större perfektbarheten och överlägsenheten i den moderna tiden. De gamla, å andra sidan, fann vissa saker från det antika förflutna att vara så exceptionella och makalösa att de inte kunde överträffas av någonting i modern tid. På grund av sina innovativa idéer om skönhet, proportioner och uppfinningar har Claude Perrault alltid identifierats som en förespråkare för Moderns. Och Louvren fasad har alltid varit kopplad till hans teori, vilket gjorde byggnaden till ett tidigt monument för modern arkitektur.

Men Perrault, som vi har sett, förlitade sig också på antikens auktoritet, och han accepterade de klassiska orden som de främsta elementen i arkitektonisk design. Som innovatör snarare än radikal, tog han stora ansträngningar för att betona att han inte motsäger traditionen så mycket som att förlänga, till och med perfektionera den. Han skrev,

Jag hävdar också att de innovationer jag introducerar inte är avsedda att korrigera det gamla som att återställa det till sin ursprungliga perfektion. Jag gör detta inte på egen hand, bara efter min egen insikt, utan alltid med hänvisning till några exempel från antika verk eller från välrenommerade författare. ... Jag föreslår ingenting utan föregångare i exempel eller i illustrativa författares arbete. ... Jag skulle säga att mitt syfte är helt enkelt att förlänga förändringen lite längre än tidigare.

Ett mästerverk dolt i synlig syn

Louvrens östra fasad är fortfarande ett av de mest imponerande exemplen på fransk klassisk design. Oavsett om vi ser att det pekar på framtiden eller bygger på tradition, är det en prövsten i debatter om klassicism i modern arkitektur. Studerat av arkitekter sedan den byggdes, blev det ett prejudikat, en modell som utstrålar myndighet, för framstående byggnader i senare tider, inklusive Charles Garniers berömda Paris Opéra på 1800-talet, som antog motivet med kopplade kolumner. Det faktum att Louvren i dag faktiskt är museets baksida kan försämra dess framträdande men kan inte radera dess betydelse.

Ytterligare resurser:

Robert W. Berger, Solens palats: Louis XIVs Louvren (University Park, PA: Penn State University Press), 1993.

Harry Francis Mallgrave, Modern arkitekturteori: En historisk undersökning, 1673-1968 (Cambridge: Cambridge University Press, 2005), 1-9.

Claude Perrault, Förordning för de fem typerna av kolumner efter de gamla metoden, översatt av Indra Kagis McEwen, introduktion av Alberto Perez-Gomez, Santa Monica (Getty Center, 1993).


Skapande av en miniatyrmålning

Manohar, Mughal Troops Chase the Armies of Da ’ud, ca 1596 – 1600, 43,2 x 27,9 cm, Freer & amp Sackler Galleries.

Tavlorna i målningarna var vanligtvis (men inte alltid) sekulära i form och täckte ett brett spektrum av ämnen som inkluderade hovscener, stridscener, jaktscener samt porträtt. Illustrationerna pryddes med rika gränser och oklanderlig kalligrafi. Verken är, som deras namn antyder, ganska små men är fulla av en otrolig detaljnivå. Några av dessa invecklade detaljer erhölls med hjälp av borstar av ett enda hår!

Miniatyrerna var antingen i form av bokillustrationer eller enskilda verk i album och var i huvudsak en produkt av ett genomarbetat samarbete. Även om en tavla tillskrivs en specifik konstnär har det vanligtvis varit många fler personer som var involverade i att skapa konsten för olika uppgifter, till exempel att göra färgen, grunda papperet, kalligrafi, konturer och färgläggning. Mycket noggrant arbete gick åt till att skapa dessa otroligt invecklade verk.


Överflöd i konst

Effekten kan ses i mycket europeisk konst under 1400 -talet. Ett typiskt exempel är en altartavla av Madonna och barn, målad av den italienska konstnären Andrea Mantegna i mitten av 1400 -talet. Det är en typiskt renässansbild, men vid närmare granskning avslöjar den sig som bestående av extremt dyra material, samt skildrar ett rikt utbud av värdefulla föremål, de flesta från öst.

Mantegnas Madonna och barn från altartavlan San Zone, La basilica di San Zeno, Verona © Madonnan är klädd i överdådigt östsilke och sammet och står på en dyr turkisk matta. Pelarna är gjorda av egyptisk porfyr. Barnen läste från böcker med mammaliska (egyptiska) bindningar. Runt Madonnas huvud finns ett band som kallas en 'tiraz', en arabisk inskription från Koranen. Till och med pigmenten som Mantegna använde härstammade från inhemska råvaror till regioner långt öster om Italien. Den rikedom och överdådiga överflöd av denna typiskt renässansbild framkom som ett direkt resultat av de kommersiella utbytena med utomeuropeiska marknader, de flesta öster om Europas fastland.

. dåtidens byggare och arkitekter tittade mot den mäktiga östra kristna kyrkan baserad i Bysantium för sin modell av arkitektonisk storhet och konstnärlig briljans.

Mycket av drivkraften för denna överdådiga konstutställning kom från tillväxten i internationell handel, men det var också en produkt av tidens växande religiösa och politiska spänningar. Even in the 15th century, the Roman Catholic Church was in disarray, recovering from bitter in-fighting and factional schisms. Rome's classical architecture lay in ruins, and the builders and architects of the time looked towards the powerful eastern Christian Church based in Byzantium for their model of architectural grandeur and artistic brilliance.

Pope Nicholas V (reigned 1447-55) was an astute politician who ruthlessly suppressed dissenting voices to his rule. He embarked on an ambitious programme of building to celebrate the renewed sense of confidence that his strong papacy had brought to the Church, and this ultimately led to the great frescoes, statues, paintings and architectural achievements of Bramante, Michelangelo and Raphael in the 16th century.


Historia | The Uffizi

Commissioned by Cosimo I de&rsquo Medici, first Grand Duke of Tuscany, the building, was conceived to house the &ldquoUffizi&rdquo, the administrative and legal offices of Florence. The work was entrusted to artist Giorgio Vasari, who designed an edifice with a Doric column portico, in a style that was both elegant and severe, established &ldquoupon the river and almost in the air&rdquo.

Started in 1560 as the Magistrates&rsquo building that gave the complex its original name of Magistrature, the construction involved the demolition and rebuilding of the Rione di Baldracca, the quarter where a notorious tavern of the same name was located.

The old Romanesque church of San Pier Scheraggio, where formerly the municipal Council used to meet before Palazzo della Signoria was built, was spared. It was incorporated into Vasari&rsquos project, and used as a place of worship until the 18th century.

Vasari brilliantly solved the problems of limited space, using solutions of bold, dramatic effect. A Serlian window overlooking the Arno, an architectural feature consisting of a large central arch with two adjacent openings, framed the porticoed square, the new economic and political forum, and the traditional civic space par excellence, Piazza della Signoria.

The 13 offices of the Magistrates in charge of overseeing Florentine production and trade were transferred to the ground floor of the building, while the first floor housed the administrative offices and workshops of the Grand Duchy, which were dedicated to the manufacture of precious objects. Originally, the building was topped by an open loggia.

Cosimo I requested the addition of an elevated passage, which is still used today, between the new building and Palazzo Vecchio. In March 1565, on the occasion of the marriage between Francesco I and Joanna of Austria, another elevated passageway was built between the Uffizi and Pitti Palace, known as the Vasari Corridor. This &ldquoaerial route&rdquo was reserved to the court for three centuries and opened to the public in 1865.

On Vasari&rsquos death (1574), works continued under the direction of Alfonso Parigi and Bernardo Buontalenti, who completed the building, connecting it to the Loggia dei Lanzi in 1580.

Francesco I, Grand Duke from 1574 to 1587, was responsible for creating the first museum arrangement in the Gallery on the second floor of the building. The eastern wing of the loggia contained a series of ancient statues and busts, while along the corridor was the Tribuna, an octagonal room designed by Buontalenti, where the treasures of the Medici&rsquos collections were displayed.

The Gallery&rsquos ceilings were decorated with &ldquogrotesque&rdquo motifs, following a style made popular by Raphael and his pupils, which drew inspiration from the wall paintings in the Domus Aurea, the home of Emperor Nero, which had been discovered in that period.

Moreover, Francesco commissioned Buontalenti to build the Medicean Theatre &ndash inaugurated in 1588 &ndash in the eastern wing of the building. Today, all that remains of this structure is the Vestibule on the first floor. The Theatre was the home of the Senate during the period in which Florence was the capital of the Kingdom of Italy (1865-1871), and then it was divided into two to create exhibition spaces in 1889.

Ferdinando I, brother of Francesco and his successor in 1587, had the Giovio Collection, a series of portraits of illustrious figures, moved to the Gallery from its previous home in Palazzo Vecchio, where originally Cosimo I decided to place it. The portraits executed by Cristofano dell&rsquoAltissimo were copies of an original collection belonging to humanist Paolo Giovio, and kept in a villa on Lake Como. The Giovio Series of illustrious men is alternated with works from the Aulic Series, a collection of portraits of the main members of the Medici family, started by Francesco I de' Medici. The paintings from the Giovio and Aulic series occupy the three corridors of the Gallery to form one of the largest and most complete collections of portraits in the world.

Ferdinando commissioned also the creation of new rooms in the Gallery: the &ldquoStanzino delle Matematiche&rdquo [Room of Mathematics] was set out in a small room adjacent to the Tribune, while the maps painted by Ludovico Buti after drawings by cartographer Stefano Bonsignori were arranged on a Terrace. The rooms after the Tribune, which were decorated by Buti in 1588, were used to display the Armoury, a selection of fine weapons and armours previously kept in the private Wardrobe of the Grand Duke.

In the period of Ferdinando II, between 1658 and 1679, frescoes were painted on the ceilings of the western corridor. Between 1696 and 1699, Grand Duke Cosimo III ordered the corridor which overlooks the River Arno to be decorated with religious frescoes. The rooms at the beginning of the eastern wing were home to the &ldquoFonderia&rdquo, both the Grand Duchy&rsquos apothecary and cabinet of natural curiosities. Cosimo III was also responsible for moving some of the most famous examples of ancient statues to Florence from the Villa Medici in Rome: the Medici Venus, the Wrestlers and the Scythian were all placed in the Tribune by Buontalenti.

In 1737, the death of Grand Duke Gian Gastone without heirs marked the end of the Medici dynasty. The assembly of other European powers, with the preliminary agreements of Wien in 1735, decided to grant the Grand Duchy of Tuscany to Francis, Duke of Lorraine and husband of the heir to the imperial throne, Maria Teresa Habsburg. Thanks to the Family Pact of 1737, Anna Maria, sister of Gian Gastone, left the Medici&rsquos art collections to the city of Florence, decreeing that they could never be moved from there.

Francesco&rsquos successor, Leopold II, Grand Duke of Tuscany, opened the Gallery to the public in 1769 and commissioned Zanobi del Rosso to set out the new entrance to the Museum Mediceum. This was followed by a rational, education-based rearrangement of the collections in the Gallery by Giuseppe Pelli Bencivenni and Luigi Lanzi. In 1779, the Neoclassical Niobe Room was designed by Gaspare Maria Paoletti to house the ancient group of statues depicting Niobe and her children, taken from the Villa Medici in Rome. Between 1842 and 1856, Leopold II commissioned 28 statues for the niches of the colonnade in the square, which depicted illustrious Tuscan figures from the Middle Ages to the 19th century. At the time of the Kingdom of Italy, the Renaissance statues were transferred to the new national Museum of Bargello, the Gallery gradually became used to display paintings. In 1956 the first rooms of the Gallery were rearranged by architects Giovanni Michelucci, Carlo Scarpa and Ignazio Gardella. On 17 December 2011, the new western stairway, designed by Adolfo Natalini, was inaugurated to connect the historic second floor of the Gallery to the new rooms on the first floor.


The Royal Collection

Find out about our work conserving the Royal Collection, ensuring that objects are maintained to the highest possible standards.

A hidden musical surprise

Cleaning this inkstand uncovered a surprising element in need of repair

Exhibition Highlights

Star Collection items, featuring in current exhibitions.

The Padshahnama opening sunburst

Treasures from the Royal Library's collection of Indian Manuscripts

Cardplayers in a sunlit room

One of a series of masterpieces from Buckingham Palace

Queen Mary's Dolls' House

Marvel at the craftsmanship and detail

Tam O'Shanter chair

Learn more about this commemoration of Robert Burns

About the Royal Collection

The Royal Collection is one of the largest and most important collections in the world and one of the last great European royal collections to remain intact.

Collectors

Learn more about the sovereigns and consorts who have influenced the shape and diversity of the Collection.

Keep in touch

Sign up to e-mail updates for the latest news, exclusive events and 15% off in our online shop.

We will look after your data in accordance with our Privacy Notice.

Quick Links
Official Royal Residences

The income from your ticket contributes directly to The Royal Collection Trust, a registered charity. The aims of The Royal Collection Trust are the care and conservation of the Royal Collection, and the promotion of access and enjoyment through exhibitions, publications, loans and educational activities.


India Packages

Compare quotes from upto 3 travel agents for free

7. Hawa Mahal, Jaipur

The Hawa Mahal stands at the intersection of the main road in Jaipur, Badi Chaupad. It is regarded as the signature building of Jaipur and was built by Maharaja Sawai Pratap Singh. Considered as one of the most important and culturally rich historical monuments in India, Hawa Mahal stands testimony to the rich Rajputana architecture.

8. Victoria Terminus, Mumbai

Also known as Chhatrapati Shivaji Terminus, the Victoria Terminus is a modern railway station in Mumbai. Constructed in the Victorian-Gothic style of architecture, the railway station is a declared as a World Heritage Site by the UNESCO. The station is one of the most famous historic landmark symbolizing the pre-independence British Raj in India.

9. Victoria Memorial, Kolkata

The Victoria Memorial is a large marble building, which is considered to be the pride of Kolkata. Built between 1906 and 1921, it is dedicated to the memory of Queen Victoria. Presently it is a museum and a popular tourist spot under the Ministry of Culture.

10. Qutub Minar, Delhi

The soaring and brave tower that allures tourists despite being destroyed by ravages of natural apocalypses several times, Qutub Minar is the tallest individual tower in the world and second tallest monument of Delhi. A UNESCO World Heritage Site, it is located in Mehrauli and its construction was started in 1192 by Qutb Ud-Din-Aibak, founder of Delhi Sultanate. Later, the tower was built by various rulers over the centuries. The sight of this glorious monument takes you back to the rich history of India.

11. Sanchi Stupa, Madhya Pradesh

Built in the 3rd century, the world renowned Sanchi Stupa is a remnant of Sanchi's glorious past. Also a World Heritage Site and one of the topmost historical monuments of india, this stupa speaks volumes of Sanchi's rich cultural and architectural grandeur and the rich legacy of buddhist aesthetics.

12. Gateway of India, Mumbai

One of the most distinguished monuments of India, The Gateway of India was built in 1924. Now it has become a popular tourist hub in the city. Located at Apollo Bunder Waterfront, the monument overlooks the Arabian Sea in the most beautiful way.

13. India Gate, Delhi

The All India War Memorial, popularly known as the India Gate, is a war memorial located in New Delhi. It is dedicated to the 82,000 soldiers, both Indian and British, who died during the First World War and the Third Anglo-Afghan War. The Amar Jawan Jyoti is the burning structure, right underneath the archway, which symbolizes the eternal, immortal soldiers of India.

14. Agra Fort, Agra

Also known as Lal Qila, Fort Rouge or Red Fort of Agra, the Agra Fort is a UNESCO world heritage site. It is situated at a distance of about 2.5 km north-west of the famous Taj Mahal. The construction of the massive fort of red sandstone by the banks of Yamuna river was started by emperor Akbar.

15. Khajuraho, Madhya Pradesh - The Architectural Masterpiece

Known For : Light and Sound Show, Khajuraho Dulhadev Temple Kandariya Mahadev Temple

Khajuraho is known around the world for its stunning temples adorned by erotic and sensuous carvings. Known to be one of the most important places in Indian history, the place is visited by tourists, travellers, scientists and wanderers alike.

Best Time: July to March

16. Charminar, Hyderabad

Charminar is the most important landmarks in the city of Hyderabad. The monument was erected when Quli Qutb Shah shifted his capital from Golconda to Hyderabad. The monument got its name from its structure as it consists of four minarets. The monument looks amazing during the night when it is illuminated.

17. Red Fort, New Delhi

The Red Fort was the official seat of Mughal rule and authority from 1648 onwards, when the 5th Mughal emperor, Shah Jahan, decided to move the capital of the empire from Agra to Delhi. Constructed using red sandstone, it remains one of the architectural marvels of the Mughal era. It is one of the monuments in India which has been granted the status of a UNESCO World Heritage Site. It was awarded this distinction in 2007.

18. City Palace, Udaipur

One of the best architectural marvels in the state of Rajasthan, the City Palace in Udaipur is located on the banks of Lake Pichola. One of the most picturesque monuments in India, the palace looks straight out of a fairy tale. The grand white City Palace is a heritage building, and it showcases the best elements of Rajput Culture and arts.

19. Fatehpur Sikri, Uttar Pradesh

A city, predominantly made of red sandstone, Fatehpur Sikri was once the capital of Mughal Emperor Akbar. It is now a UNESCO world heritage site and a famous tourist attraction. The city offers a fine example of Akbar's architectural finesse.

20. Amber Fort, Jaipur

Amber Fort, situated 11 kms from Jaipur, is a fort built with great artistic taste. Cradled on the top of a hill forming a beautiful reflection in Maotha Lake, it is popularly known as Amer Fort and is counted as one of the most important historical monuments of India.

21. Laxmi Vilas Palace, Vadodara

The term Maharaja Palace actually refers to a series of palaces in Vadodara, Gujarat, India, constructed since the Gaekwad a prominent Maratha family started ruling the Baroda State. The first one was a building known as the Sarkar Wada. This building, not really a palace, was given up for the Nazarbaug Palace built in old classical style. (br) After this the Lakshmi Vilas Palace, an extravagant building of the Indo-Saracenic school, was built by Maharaja Sayajirao Gaekwad III in the year 1890.

22. Mehrangarh Fort, Jodhpur

Located in Jodhpur, Mehrangarh Fort is one of the largest forts in the country. It is located at the top of a 410 feet elevated hill and guarded by huge walls. The fort encloses a museum now which exhibits various belongings of the royals. The palace was built by Rao Jodha in 1459.

23. Konark Sun Temple, Odisha

Dedicated to Lord Surya, this 13th century temple is an architectural marvel and the quintessential example of Oriyan form of architecture. It is believed that the temple was constructed by king Narasimhadeva I of Eastern Ganga Dynasty. The shape of the temple is of a massive chariot with sumptuously engraved stone wheels, pillars and walls. A major part of the structure at present is in ruins. The temple is a UNESCO World Heritage Site

24. Gwalior fort, India

Perched high at the top of a vast rocky massif, Gwalior Fort is a place hard to miss being visible from every nook and corner of the city. Regarded as one of most impregnable fortress of north and central India, the place is a must visit.

25. Swaminarayan Akshardham Temple, Delhi

Also known as the Delhi Akshardham, this temple complex was built in 2005 and sits deftly near the banks of River Yamuna.

26. Rani ki Vav, Patan

Rani ka Vav or 'Queen's Stepwell' is a unique step well located in the small town of Gujarat called Patan. Located on the banks of River Saraswati, it is not only a distinctive form of water resource and storage system but also represents a unique craftsmanship. Now a World Heritage Site as well, Rani ki Vav is a prime example of the rich architectures of stepwell and similar monuments of India.

27. Mahabalipuram Group of Monuments, Tamil Nadu

Known For : Shore Temple Mahabalipuram Beach Five Rathas

Famous for its intricately carved temples and rock-cut caves, Mamallapuram or Mahabalipuram as it is famously known, is a historically important and well-loved tourist location situated on the Coromandel Coast along the Bay of Bengal, in the state of Tamil Nadu.

Best Time: November to February

28. Howrah Bridge, Kolkata

Located over the Hooghly river in West Bengal, Howrah Bridge or the Rabindra Setu is the main connection between Howrah and Kolkata. It is a cantilever bridge and is regarded as one of the busiest ones among them.

29. Nalanda University, Nalanda

Nalanda University Archaeological Complex is the excavated site of the ancient university. It is spread over an area of 14 hectares and is a major place of tourist attraction. The university complex had red brick buildings hemmed by gardens.

30. Murud Janjira Fort, Murud Janjira

Murud-Janjira is the local name for a fort situated on an island just off the coastal village of Murud, in the Raigad district of Maharashtra. The Fort is situated on an oval-shaped rock off the Arabian Sea coast, about 165 kms to south of Mumbai. Janjira is considered one of the strongest marine forts in India. Another fortress named Ghosalgad is located on top of the hill around 32 kms east of Murud-Janjira, and was used as an outpost for the rulers of Janjira.

31. Golkonda Fort, Hyderabad

Golconda Fort is a massive fortress whose ruins stand proudly even today displaying the glory of its rich past and some untold sagas of the city's history. The place oozing charm is a must visit. There are many fascinating features and stories about this fort which makes it one of the top monuments in India.

32. Hampi Group of Monuments, Karnataka

Known For : Virupaksha Temple, Hampi Vithala Temple Lotus Palace

Hampi, the city of ruins, is a UNESCO World Heritage Site. Situated in the shadowed depth of hills and valleys in the state of Karnataka, this place is a historical delight for travellers. Surrounded by 500 ancient monuments, beautiful temples, bustling street markets, bastions, treasury building and captivating remains of Vijayanagar Empire, Hampi is a backpacker's delight. Hampi is an open museum with 100+ locations to explore and a favourite way to see the city from the perspective of its history.

Best Time: October to March

33. Aihole, Karnataka

Known For : Durga Temple, Aihole Lad Khan Temple Ravanaphadi Cave Temples

Well known as the temple complex of Karnataka and home to about 100 temples, this city is a popular tourist destination.

Best Time: October to March

34. Badami, Karnataka

Known For : Cave Temples Agastya Lake Badami Fort

Located in a valley of rugged red sandstone, surrounding the Agastya Lake, Badami is an archaeological delight owing to its beautifully crafted sandstone cave temples, fortresses and carvings.

Best Time: October to Apr

35. Meenakshi Amman Temple, Madurai

This is a historic Hindu temple located on the southern bank of the Vaigai River, Madurai, Tamil Nadu. It is primarily dedicated to Parvati, known as Meenakshi, and her spouse, Shiva. What makes this one of the unique monuments of India is that this is a temple different from the others, where both God and Goddess are worshipped together.

36. Gol Gumbaz, Bijapur

Gol Gumbaz, also known as Gola Gummata in literal sense means a circular dome. It is the mausoleum of Mohammed Adil Shah, Sultan of Bijapur. The tom is located in Bijapur, Karnataka and was built by architect Yaqut in 1656. It is considered as the structural triumph of Deccan architecture.

37. Shaniwar Wada, Pune

Standing tall in its full glory, Shaniwar Wada was once a stately mansion. Built as a dwelling for Peshwas, its foundation was laid by Bajirao I in year 1730 AD. Today it gives a chance to peak into its great past.

38. Basilica of Bom Jesus, Goa

This historic church is located in Goa and is a UNESCO World Heritage Site. The Basilica of Bom Jesus houses the tomb and remains of St. Francis Xavier. Even after 400 years, the remains are in a good condition and are taken out once every decade.Up untill half a century ago, Goa was the capital of Portuguese rule in India and this is part of their heritage.

39. Vivekananda Rock Memorial, Kanyakumari

Vivekananda Rock Memorial is a well-known tourist monument placed in Vavathurai, Kanyakumari, India. The memorial stands on one of the two rocks, about 500 metres away from India's southern most tip. It was constructed in honour of Swami Vivekananda who is said to have attained enlightenment on this rock.

40. Cellular Jail, Andaman Nicobar-islands

The Cellular Jail aka Kala Pani word is derived from Sanskrit words 'Kal' which means Time or Death and 'Pani' which means Water. The Jail was a colonial prison in the Andaman and Nicobar Islands, India. The prison was used by the British especially to exile political prisoners to the remote archipelago. Many notable dissidents such as Batukeshwar Dutt and Veer Savarkar were convicted and jailed here during Indian independence struggle. Today, the construction serves as a national memorial monument.

41. Bara Imambara, Lucknow

The Bara Imambara of Lucknow is one of the most famous monuments of the city. Also known as Asfi Imambara, after the name of the Nawab of Lucknow who got it constructed, it is an important place of worship for the Muslims who come here every year to celebrate the religious festival of Muharram. The Imambara is specially known for its incredible maze, known as Bhul Bhulaiya locally, which is located in the upper floor of the monument.

42. Pattadakal, Karnataka

Known For : Virupaksha Temple, Pattadakal Kashiviswanatha Temple Jain Temple

Famous for its temples and other world heritage sites depicting a fusion architectural style, Pattadakkal is a town close to Aihole and Badami.

Best Time: October to March

43. Jaisalmer Fort, India

Jaisalmer Fort, nestled amid the golden sands of Thar Desert, is steeped with rich past and heritage. Displaying the brilliant craftsmanship, Jaisalmer Fort is one of the most renowned forts in the world.

44. Humayun's Tomb, New Delhi

Apart from being known for its stunning architecture, this is the first garden-tomb on the Indian subcontinent. It is a UNESCO World Heritage Site declared in 1993, and has undergone widespread restoration work since then. The tomb was custom-built by Humayun's son Akbar during 1569-70 and is also the first structure to have made the use of red sandstone at a massive scale.

45. Chittorgarh Fort, India

Being one of the largest forts in India, Chittorgarh fort is a world heritage site. The fort was previously the capital of Mewar and is now situated in Chittorgarh. It is one of the most historically important forts in the entire north India and it reverberates with tales of heroism and sacrifice. It also displays the Rajput culture and values in the true sense.

46. City Palace, Jaipur

Located in Jaipur, The City Palace is the main palace from where the Maharaja reigned. The palace includes the Chandra Mahan and Mubarak Mahal along with various other buildings within the complex. It is located towards the north-eastern side of Jaipur.

47. Jantar Mantar, Jaipur

Located in New Delhi, the Jantar Mantar was one of the five sites built by Maharaja Jai Singh II of Jaipur. The site consists of 13 architectural astronomy instruments. The main purpose of the observatory was to compile the astronomical tables and to predict the movement and timings of the sun, moon and planets.

48. Kumbhalgarh Fort, Rajasthan

Kumbhalgarh fort is one of the five hill forts of Rajasthan, among the many monuments in India that were declared the UNESCO world heritage site. This distinction was granted in 2013. It is situated in Rajsamand district of Rajasthan and lies very close to Udaipur. Constructed on the foothills of Aravalli ranges, it is surrounded by thirteen hill peaks of the ranges and is perched at an elevation of 1,914 m. It is the second largest and the most important Mewar fort of Rajasthan after Chittorgarh palace.

49. Jallianwala Bagh, Amritsar

Jallianwala Bagh is a place of great historical importance during the Indian struggle for Independence. It is a public garden in Amritsar which houses a memorial of national importance that was established by the government of India in 1951 to commemorate the massacre of peaceful celebrators by British forces on April 13,1919.

50. Nalanda, Bihar - The Ancient Seat of Knowledge

Known For : Nalanda University Hiuen Tsang Memorial Hall The Great Stupa

The most popular Mahavihara of the ancient times, a significant Buddhist seat of academic excellence and a modest pilgrim center, all wrapped in a wisp of spirituality, Nalanda continues to be an equally enriching location in the present. It offers vibrant substance of spirituality, history, culture, architecture, and tourism.

Best Time: October to March

51. Champaner-Pavagadh, Gujarat

Known For : Kalika Mata Temple Pavagadh Fort Jain Temples in Pavagadh

Being included in the elite list of the UNESCO World Heritage Sites across the globe, this marvellous archaeological park set in the heart of the city of Champaner and amidst the Pavagadh hills is one of the most sought after places in Gujarat.


Central and Eastern European Art since 1950

Maja and Reuben Fowkes, Central and Eastern European Art since 1950 (London: Thames and Hudson, 2020), 232 pp.

When Piotr Piotrowski published his now-famous art historical surveys In the Shadow of Yalta. Art and the Avant-Garde in Eastern Europe 1945-1989 och Art and Democracy in Post-Communist Europe, the art of the region was only superficially known to broader audiences. It was mostly presented in group or solo exhibitions, and via several monographic studies, and it never acquired the kind of celebrity that ”non-conformist” art from the former Soviet Union enjoyed. In line with other theorists focused on post-colonial critiques of art history across the globe, Piotrowski used the comparative method to introduce the art produced in Central and Eastern Europe not as a derivative, but as a particular type of art, contextually shaped by sometimes antagonistic socio-political forces, while enriching the art historical vocabulary with terms such as ”horizontal art history” or ”spatial art history”.

Central and Eastern European Art since 1950 is an overview of the art in Eastern Europe that complements Piotrowski’s analyses almost ten years after their publication in English. Meanwhile, other monographic studies and broader analyses focused on the aesthetic and political autonomy of art and on specific media such as performance art have filled in the gaps in the Western-based artistic canon of late modern and contemporary art. For instance, Klara Kemp-Welch’s Antipolitics in Central European Art, Amy Bryzgel’s Performance art in Eastern Europe since 1960, or Armin Medosch’s New Tendencies. Art at the Threshold of the Information Revolution (1961-1978), as well as collective volumes such as Performance art in the Second Public Sphere, edited by Katalin Cseh-Varga and Adam Czirak, or Art in Hungary 1956- 1980: Doublespeak and Beyond, edited by Edit Sasvari, Hedvig Turai and Sandor Hornyik, respectively, have expanded our previously limited knowledge of the art in the region, adding to the excellent books focused on nationally defined neo-avantgarde practices or on individual artists published in English by authors such as Ieva Astahovska, Andrea Bátorová, Boźena Czubak, Maja Fowkes, Daniel Grúň, Agata Jakubowska, Emese Kűrti, Pavlina Morganova or Alina Șerban. Works by artists associated with the Polish, Czech, Slovak, Hungarian, Croatian, Serbian and Romanian neo-avant-garde are now part of the permanent collections of Western museums such as MoMA or Tate. Art historiography itself has also turned towards a more dynamic analysis of the artistic contacts and interactions that shaped artistic practice during Socialism, and of the institutional conditions and exhibition practices that facilitated its growth. We could mention here recent contributions such as Klara Kemp-Welch’s Networking the Bloc, Beata Hock’s and Anu Allas’ edited volume Globalizing East-European Art Histories or Tomas Pospiszyl’s Ett Associative Art History: Comparative Studies of Neo-Avant-Gardes in a Bipolar World, or the publication Art beyond Borders. Artistic Exchanges in Communist Europe (1945-1989), edited by Jerôme Bazin, Pascal Doubourg Glatigny and Piotr Piotrowski.

Maja and Reuben Fowkes’ survey takes into account these changes in the cultural field by carefully integrating mentionings of important art institutions and exhibitions as part of the contextual information required to understand the well-chosen artistic examples they present throughout the book. The institutional background provided replaces in concrete terms the often diluted political contextualisations that can be found in previous analyses. For instance, the impact of the ”New Tendencies” exhibition series for promoting art based on new technologies and scientific discourse within the broader category of ”abstract art”, the influence of the 1968 ”New Sensitivity” exhibition in promoting neo-constructivism in Czechoslovakia, the influence of theoretical symposia and plein-air gatherings during the 1960s for the development of experimental art forms, as well as performative interventions and process-based events are only some of the relevant art exhibitions mentioned in the book.( Other significant examples of relevant art exhibitions during the 1950s are the 1957 Spring Exhibition which signalled the recuperation of surrealism and abstraction in Hungary, or the Second Exhibition of Modern Art held at Zachęta Gallery in Warsaw in the same year which indicated the relaxation of aesthetic norms after the hegemony of socialist realism in the 1950s. )

These examples provide the necessary contextual information to understand how certain artistic trends developed locally. Such attentive, albeit brief analyses are also relevant since the performative, collaborative and often counter-cultural aspects of many of the artistic events taking place in the late 1960s and 1970s in Eastern Europe are often indistinguishable from their particular social, cultural, and political production context. They help the reader understand both the expansion of art towards the private sphere through self-institutionalizing gestures, and the disruption caused in the public space by these interventions of discursive artistic gestures. The usual suspects of art historical narratives, such as the Balatonboglár chapel, Foksal or Akumulatory 2 galleries or the Zagreb Cultural Student Center are complemented by lesser known, and more decentralized, art spaces such as the Wrocław’s Pod Mona Lisa Gallery, the Brno House of Art, Poznań’s odNOWA gallery, or the Subotica-based artist group Bosch+Bosch.

Platforms for international artist connections such as the Ljubljana Biennial of Graphic Arts or the Belgrade International Theater Festival highlight the international artistic connections that are mentioned as often as possible when discussing the events the authors select as being relevant for their narrative. Such a complementary history of important art exhibitions, which, with few exceptions, was missing from Piotr Piotrowski’s books, is more than salutary, since many of the self-organised artist events during socialism became the very context of artistic production, while on other occasions they facilitated the circulation of artistic ideas across national borders. Another key addition in the survey is the short, but nevertheless significant account of the importance of art education in the region, as well as the inclusion of experimental film.

The desire to break away from canonical artists or art venues in order to produce a more inclusive narrative is also obvious in the selection of artists, which of course also needed to include those artists and artworks that are often found in multiple other narratives or art collections of Eastern European art during Socialism. Refreshingly, unavoidable names such as Geta Brătescu, Stano Filko, Györgi Galántai, Gorgona, Tomislav Gotovac, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Tadeusz Kantor, Július Koller, Julije Knifer, Milan Knižák, Jiři Kovanda, Jarosław Kozłowski, KwieKulik, László Lakner, Natalia L.L., Ana Lupaș, Dora Maurer, Paul Neagu, OHO, Ewa Partum, The Group of Six, Peter Štembera, Krzysztof Wodiczko, Jana Żelibská, Tamás Szentjóby, Balint Szombathy, Sándor Pinczehelyi, Goran Trbuljak, or Endre Tót are complemented by lesser-known artists such as Marian Zidaru or Aurel Vlad. Even so, although Zidaru and Vlad surely support the authors’ argument for the expansion of neo-expressionist painting during the 1980s, their selection of relevant Romanian artists or art projects does omit many other artists whose late neo-avantgarde practices were just as crucial, given the incongruences and asynchronicities among the institutional and political artistic contexts of Eastern European nations during the 1970s and 1980s.

It is a pity that crucial contextual observations become scarce in the last chapters dedicated to art after 1989, where contextual analysis is often being diluted by general remarks about the artists’ particular reactions to contemporary social transformations and, to a lesser extent, about the mechanisms of the contemporary art market or the global expansion of large-scale exhibition projects. Besides the emergence of more powerful local institutions, the global “exhibitionary complex” established during the 1990’s was equally formative of the establishment of geographically descriptive categories such as “Eastern European Art” and for identity politics of the 1990s. Therefore, a more precise account of some important moments in this respect—such as the Balkan-themed exhibitions and the large scale retrospectives of the early 2000s, a more detailed account of the rise of Manifesta, or a comparative analysis of the fraught context in which new institutions such as contemporary art museums appeared during the 2000s—would have added depth to the contextual background the authors are otherwise patiently reconstructing throughout the book, explaining each time changes that occurred on both the spatial axis, at the national level, and on the diachronic axis.

The narrative, structured chronologically by decades, focuses less on the political effects and ideological underpinnings of art under and after Socialism than on its aesthetic regime and, sometimes, on the broader cultural (philosophical or scientific) background of the chosen artworks. On the one hand, this is a refreshing move away from the over-politicized art historical discourse that risked to transform art itself into a mere derivative of the political sphere. Still, politics is never expelled from the narrative: it lurks in the background, often presiding over a whole chapter, such as the one dedicated to the 1970s dubbed “Practicing Impossible Art.” Yet it is at the same time never obtrusive, and it mainly reveals itself through the way it constrains the institutional mechanisms of art. On the other hand, such aesthetic autonomy comes with a price: the in-depth comparative analyses of artists and frequent theoretical commentaries that punctuated Piotrowski’s account (especially those concerning methodology) are unfortunately missing from the present survey. As a result, the narrative on occasion slips inevitably into a linear accumulation of artistic projects and products.

Clearly, the book intends to be mainly informative rather than analytical, and in doing so, Maja and Reuben Fowkes have clearly succeeded. They manage to condense a dazzling number of artistic examples into a pocket-size book meant to be used not only by scholars and curators who specialize in art from Central and Eastern Europe. Their analyses of artworks are precise and highlight only information that is vital for orientation and understanding. The book is balanced, well-informed and concise. It subtly engages the more recent tendency of epistemic decolonization by pointing to the local traditions and artistic terminologies employed by artists themselves to describe their art (“explosionalism,” “contextual art,” “Hapsoc,” etc.). It is also attentive to the effects of globalization on the contemporary circulation of images and artworks in the last decade, proposing a convincing theoretical framework for understanding contemporary art as a field of experiential and political uncertainty.

That being said, and despite the intelligent positioning and excellent historiographic skills of the authors, there are several questions related to the very project of such a comprehensive survey that are left unanswered. The most comprehensive among these concerns the author’s choice to present art from the region as a coherent, more or less monolithic compound. In their effort to paint the portrait of a Central and Eastern European art inextricably linked with Socialism—its constraints, its outright critique and rejection after 1989, and its recollection as a critical form of nostalgia in the 2000s—they are forced to resort to the same lateral move across national art historical narratives and art scenes that obliged Piotrowski to acknowledge an a-synchronic and heterogeneous artistic development among the national art fields that compose Central and Eastern Europe. For Maja and Reuben Fowkes, too, the aesthetic characteristics of the most significant art produced in the region point to transnational similarities that help stabilize the otherwise unfixed conceptual category “Eastern European art.”

The authors acknowledge that Central and Eastern European artists contributed to the decentralized paradigm of contemporary world art by bringing a specific Socialist ethos to their international contacts during the Cold War, or by recalling the legacy of Socialism after 1989, thus provide a stable local identity to art practices that were otherwise often similar to their Western counterparts. Yet while Central and Eastern European Art since 1950 offers a large number of illustrative examples for this fact, by selecting for their survey mainly those well-known artists who were either collected or exhibited by the global capitalist art system after 1989, the authors implicitly submit to an intellectual market place that has managed to transform the idea of Socialism into little more than a domesticated critical tool of our contemporaneity. As we know, many of the now-famous artists from the former Socialist block were snubbed at the time by curators such as Harald Szeemann, while after 1989 their work endured partisan readings that were prone to exoticize their criticality. Fortunately, Maja and Ruben Fowkes’ reading corrects many of these interpretive fallacies. In order to become even more convincing, it might be complemented by more comparative research that would reveal how exactly the bilateral transmission of ideas and aesthetic forms across the Iron Curtain, as well as their interaction with art from non-Western geographical regions, affected not only art historical epistemology, but also the trajectory of art in the world’s major art centers. That, of course, would be a more demanding task, and one that the authors certainly could not take on in their overall excellent introduction to Central and Eastern European art. They left it open up to future researchers, much like Piotr Piotrowski did in his time.


Titta på videon: Målning av paneltak Del4 (Juni 2022).